ARTISTES MANIFESTES

Emilie Blanc, docteure en histoire de l’art contemporain, lauréate de la bourse postdoctorale de recherche 2018-2019 de la Terra Foundation for American Art. Sa thèse « Art Power : tactiques artistiques et politiques de l’identité en Californie (1966-1990) », est récompensée par le deuxième prix de thèse par l’Institut du genre en 2018. Elle retrace les mouvements politiques des africains américains, des mexicains-étasuniens, des féministes et des gays-lesbiennes à Los Angeles et San Francisco. Ils et elles vont se former elleux-mêmes en mouvements dont les formats et les lectures pourrons vous apporter un regard engagé sur l’histoire de l’art contemporain. Mais pas de panique nous allons décortiquer tout ça au cours de notre discussion.

Grâce à Valentin Gleyze, un autre doctorant que je connais de l’université Rennes 2 et qui viendra probablement parler de sa recherche dans le podcast, j’ai la chance d’accueillir Emilie pour parler des problématiques identitaires liées à un ensemble de révoltes, de discriminations sexistes et raciales. Elle nous expliquera également la volonté de ces communautés de s’auto-définir via des expressions artistiques peu mises en avant. Elle nous parlera aussi de son parcours d’auteure et de chercheuse.

La troisième partie permet de nous poser la question du déconditionnement des idéologies patriarcales et la manière dont Emilie Blanc a abordé cette question au sein de sa thèse. A partir des interviews qu’elle a eu la chance d’effectuer, notamment avec l’historienne de l’art, Jennifer A. Gonzalez, nous faisons également mention de la progression des gender et postcolonial studies en France. On s’arrête aussi sur le vécu économique et la reconnaissance institutionnelle des trois artistes dont le travail a été longuement développé dans le précédent épisode : Laura Aguilar, Betye Saar et Yolanda M. Lopez. Evidemment, l’épisode ne serait pas complet sans évoquer avec mon invitée, sa propre situation économique actuelle en tant que chercheuse, auteure et enseignante. Bonne écoute !

Emilie Blanc, docteure en histoire de l’art contemporain, lauréate de la bourse postdoctorale de recherche 2018-2019 de la Terra Foundation for American Art. Sa thèse « Art Power : tactiques artistiques et politiques de l’identité en Californie (1966-1990) », est récompensée par le deuxième prix de thèse par l’Institut du genre en 2018. Elle retrace les mouvements politiques des africains américains, des mexicains-étasuniens, des féministes et des gays-lesbiennes à Los Angeles et San Francisco. Ils et elles vont se former elleux-mêmes en mouvements dont les formats et les lectures pourrons vous apporter un regard engagé sur l’histoire de l’art contemporain. Mais pas de panique nous allons décortiquer tout ça au cours de notre discussion.

Grâce à Valentin Gleyze, un autre doctorant que je connais de l’université Rennes 2 et qui viendra probablement parler de sa recherche dans le podcast, j’ai la chance d’accueillir Emilie pour parler des problématiques identitaires liées à un ensemble de révoltes, de discriminations sexistes et raciales. Elle nous expliquera également la volonté de ces communautés de s’auto-définir via des expressions artistiques peu mises en avant. Elle nous parlera aussi de son parcours d’auteure et de chercheuse.

Dans ce deuxième épisode, nous nous arrêtons plus précisément sur le parcours et les oeuvres des artistes Betye Saar (1926-), Yolanda Lopez (1942-) et Laura Aguilar (1952-2018). Chacune d’elles dévoilent une part de leur intimité et de leur identité qui marquent le Black Art Movement, le Chicano Art Movement ou les communautés gays et lesbiennes. On se pose la question du “pouvoir transformateur de l’art” dont parle bell hooks, activiste et auteure, mais également de la déconstruction des stéréotypes, de la notion de travailleur.euse culturel.le et d’intersectionnalité au sein des représentations. Bonne écoute !

Emilie Blanc, docteure en histoire de l’art contemporain, lauréate de la bourse postdoctorale de recherche 2018-2019 de la Terra Foundation for American Art. Sa thèse « Art Power : tactiques artistiques et politiques de l’identité en Californie (1966-1990) », est récompensée par le deuxième prix de thèse par l’Institut du genre en 2018. Elle retrace les mouvements politiques des africains américains, des mexicains-étasuniens, des féministes et des gays-lesbiennes à Los Angeles et San Francisco. Ils et elles vont se former elleux-mêmes en mouvements dont les formats et les lectures pourrons vous apporter un regard engagé sur l’histoire de l’art contemporain. Mais pas de panique nous allons décortiquer tout ça au cours de notre discussion.

Grâce à Valentin Gleyze, un autre doctorant que je connais de l’université Rennes 2 et qui viendra probablement parler de sa recherche dans le podcast, j’ai la chance d’accueillir Emilie pour parler des problématiques identitaires liées à un ensemble de révoltes, de discriminations sexistes et raciales. Elle nous expliquera également la volonté de ces communautés de s’auto-définir via des expressions artistiques peu mises en avant. Elle nous parlera aussi de son parcours d’auteure et de chercheuse.

Dans ce premier épisode, nous parlons de son parcours et de la manière dont elle est arrivée à étudier les mouvements artistiques et politiques de la scène californienne. Mais aussi l'attention qu'elle a porté à la féminisation de son texte, à l'emploi du terme "race" ou encore "africain-américain" plutôt qu'"afro-américain" et ce que ça soulève. Et bien entendu, un gros morceau : les politiques de l'identité et sa contextualisation notamment par l'évocation du Combahee River Collective. C'est du lourd !

Julie Crenn est commissaire d’exposition, critique d’art, historienne de l’art et commissaire associée du centre d’art Le Transpalette à Bourges. Son travail m’a beaucoup inspirée et je souhaitais beaucoup la recevoir dans ce podcast. Souvent, le choix des artistes qu’elle présente et ses expositions mises en place répondent à un fossé de connaissances historiques et artistiques. Son constant travail de réflexion sans jamais se complaire dans les lieux communs de l’histoire de l’art me pousse à m’interroger aussi sur ce que je vois. C’est par ailleurs, à travers, la série d’interviews d’artistes Herstory qu’a émergé la volonté d’affirmer davantage ma pensée décentralisée et décoloniale, féministe et inclusive de l’art. Julie Crenn est très vite ressortie du lot de la même manière qu’Elvan Zabunyan, une professeur d’histoire de l’art contemporain qui traite des études post-coloniales de l’art, une professeure que nous avons eu en commun. Pour elle, comme pour moi, Elvan Zabunyan a joué un rôle déterminant dans la déconstruction du discours critique.

Bonne écoute !

Toutes les références et visuels ici :

Clélia Berthier est une artiste française sortie de l’école des Beaux-arts de Nantes en 2019. Son DNSEP a été précédé par une licence en graphisme, puis une licence et un master en Arts plastiques à l’université Rennes 2. L’artiste travaille avec du métal, du cuivre, de la mousse polyuréthane, du film étirable, du PVC, du pain, de la pâte de riz ou encore des boyaux de porcs. Souvent elle fait le choix de créer une rencontre entre deux ou trois matières qui a priori s’opposent. Cette « rencontre » est souvent rendue possible en créant une réaction chimique ou en jouant avec la capacité polymorphique de ses matières.

Bonne écoute !

Dans cet épisode, j’accueille Jeanne L’Homer ou Saint Eugène de son nom de scène. J’ai découvert son travail artistique grâce à Marion Cazaux qui effectue une thèse sur l’art queer et en fouillant un peu j’ai pu découvrir quelques artistes qu’elle avait exposé dont Saint Eugène. Je suis tombée bouche bée devant la complexité et la poésie de ses personnages dans ses performances narratives et ses dessins qualifiés d « hyper-catharsis ». Après un séjour de 3 ans à Miami et une prépa cinéma animation, iel a étudié à la HEAR (Haute école des arts du Rhin de Strasbourg)). C’est donc quelque part entre Miami et Strasbourg, que Saint Eugène est né.e et s’est imprégné.e de diverses influences queer qui lui ont permises d’évoluer et d’affirmer son identité.

Sa pratique artistique se compose de 2 champs : la performance narrative et le dessin qu’iel qualifie d’ « hyper-catharsis ». Iel va forger un lien fort au drag grâce à la House of Diamonds où s’organise le Diamant Brillant Drag Show, un événement d’art performatif queer regroupant drag kings, drag queens, drag queers et club kids. Le drag, qui est une expression théâtralisée du genre, lui permet aujourd’hui d’explorer des formes multiples de mises en scène et de la narration où le jeu, l’écriture, la musique, le costume sont pensés avec finesse et produit suivant un processus d’une grande rigueur.

Cet épisode est divisé en 3 parties parce qu’avec mon invité.e, nous avons discuter un long moment de sa pratique artistique, du monde du drag king tout particulièrement et bien évidemment, de ce que ça signifie d’être un ou une artiste drag, hors du circuit de l’art contemporain habituel. Saint Eugène nous parle de sa démarche artistique par le prisme des gender studies et de l’histoire queer.

Cette dernière partie débute avec la problématique inévitable de tout jeune artiste. Si vous avez écouté les autres épisodes, vous savez de quoi je parle : il s’agit de la précarité. Comme il y a peu de moyen sur la scène drag, nous évoquons l’idée de l’amateurisme selon laquelle tout est fait par soi-même du costume à la captation. Saint Eugène, vis-à-vis de cette économie restreinte, va d’abord produire ses vidéos réalisées par ses ami.es placés dans le public, caméra en main. Iel a évolué vers la vidéo considéré comme véritable objet signifiant en faisant appel à ses amis vidéastes ou des étudiants en cinéma. Saint Eugène nous permet donc de comprendre l’impact du manque de moyen produit sur la reconnaissance, la visibilité et la légitimité d’existence des artistes performeur.euses drag dans l’histoire. Nous évoquons donc le système de rémunération sur cette scène et son organisation. Ce que j’ai aimé particulièrement dans ce moment de discussion c’est les actions proposées par des structures associatives pour l’amélioration des conditions de travail qui sont en fait indissociable de la nécessité d’inclusivité et d’égalité du panel queer.

Vous pouvez notamment retrouver son travail sur ses deux comptes instagram : sainteugeneking et jeanne.lhomer, et son compte Youtube Saint Eugene.

Dans cet épisode, j’accueille Jeanne L’Homer ou Saint Eugène de son nom de scène. J’ai découvert son travail artistique grâce à Marion Cazaux qui effectue une thèse sur l’art queer et en fouillant un peu j’ai pu découvrir quelques artistes qu’elle avait exposé dont Saint Eugène. Je suis tombée bouche bée devant la complexité et la poésie de ses personnages dans ses performances narratives et ses dessins qualifiés d « hyper-catharsis ». Après un séjour de 3 ans à Miami et une prépa cinéma animation, iel a étudié à la HEAR (Haute école des arts du Rhin de Strasbourg)). C’est donc quelque part entre Miami et Strasbourg, que Saint Eugène est né.e et s’est imprégné.e de diverses influences queer qui lui ont permises d’évoluer et d’affirmer son identité.

Sa pratique artistique se compose de 2 champs : la performance narrative et le dessin qu’iel qualifie d’ « hyper-catharsis ». Iel va forger un lien fort au drag grâce à la House of Diamonds où s’organise le Diamant Brillant Drag Show, un événement d’art performatif queer regroupant drag kings, drag queens, drag queers et club kids. Le drag, qui est une expression théâtralisée du genre, lui permet aujourd’hui d’explorer des formes multiples de mises en scène et de la narration où le jeu, l’écriture, la musique, le costume sont pensés avec finesse et produit suivant un processus d’une grande rigueur.

Cet épisode est divisé en 3 parties parce qu’avec mon invité.e, nous avons discuter un long moment de sa pratique artistique, du monde du drag king tout particulièrement et bien évidemment, de ce que ça signifie d’être un ou une artiste drag, hors du circuit de l’art contemporain habituel. Saint Eugène nous parle de sa démarche artistique par le prisme des gender studies et de l’histoire queer.

La deuxième partie est consacrée à sa pratique. Je lui demande en premier lieu de nous parler de son processus créatif. Iel dessine notamment en amont et penses beaucoup à la manière dont iel va mettre ses personnages en valeur, les récits établis et ce système de couches superposées qu’iel nomme « narration par le striptease ».

Vous pouvez notamment retrouver son travail sur ses deux comptes instagram : sainteugeneking et jeanne.lhomer, et son compte Youtube Saint Eugene.

Dans cet épisode, j’accueille Jeanne L’Homer ou Saint Eugène de son nom de scène. J’ai découvert son travail artistique grâce à Marion Cazaux qui effectue une thèse sur l’art queer et en fouillant un peu j’ai pu découvrir quelques artistes qu’elle avait exposé dont Saint Eugène. Je suis tombée bouche bée devant la complexité et la poésie de ses personnages dans ses performances narratives et ses dessins qualifiés d « hyper-catharsis ». Après un séjour de 3 ans à Miami et une prépa cinéma animation, iel a étudié à la HEAR (Haute école des arts du Rhin de Strasbourg)). C’est donc quelque part entre Miami et Strasbourg, que Saint Eugène est né.e et s’est imprégné.e de diverses influences queer qui lui ont permises d’évoluer et d’affirmer son identité.

Sa pratique artistique se compose de 2 champs : la performance narrative et le dessin qu’iel qualifie d’ « hyper-catharsis ». Iel va forger un lien fort au drag grâce à la House of Diamonds où s’organise le Diamant Brillant Drag Show, un événement d’art performatif queer regroupant drag kings, drag queens, drag queers et club kids. Le drag, qui est une expression théâtralisée du genre, lui permet aujourd’hui d’explorer des formes multiples de mises en scène et de la narration où le jeu, l’écriture, la musique, le costume sont pensés avec finesse et produit suivant un processus d’une grande rigueur. 

Cet épisode est divisé en 3 parties parce qu’avec mon invité.e, nous avons discuter un long moment de sa pratique artistique, du monde du drag king tout particulièrement et bien évidemment, de ce que ça signifie d’être un ou une artiste drag, hors du circuit de l’art contemporain habituel. Saint Eugène nous parle de sa démarche artistique par le prisme des gender studies et de l’histoire queer. 

Dans cette première partie, iel nous explique donc son parcours et comment iel en est arrivé.e au drag par l’influence de la culture queer etats-uniennes. On va se frayer un chemin au sien de l’histoire entre la naissance de la ballroom scene jusqu’aux questions politiques d’intersectionnalité et des masculinités du drag king. 

Diplômée en 2019 de l'Ecole des Beaux-Arts de Paris, Darta Sidere travaille avec des pierres calcaires, des stéatites, du bronze, de l'acier. Elle développe ce qu'elle appelle "l'espace du toucher" en sculptant ces matériaux ou en les laissant interragir par des effets chimiques.  C'est d'abord grâce à sa formation à Milan auprès de l'artiste Gianni Caravaggio (entre 2013-2014), qu'elle commence à traiter la pierre et à l'appréhender autrement qu'en une sculpture traditionnelle. Elle cherche à poursuivre ses expérimentations à Rennes par le biais d'un stage avec un tailleur de pierre et à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris au sein d'un atelier de taille pour "s'habituer au matériau et voir quelles autres possibilités je peux apporter pour la création de sculptures en pierre" nous dit-elle. Elle nous explique les différentes réactions qu'elle établit au cours de l'échange. 

Dans la deuxième partie, Darta Sidere nous explique son parcours. Au cours de ses études, elle superpose parfois jusqu'à deux jobs alimentaires. A la sortie de son diplôme l'année dernière, elle est employée en tant que monitrice à l'école des Beaux-Arts. Un emploi qu'elle occupera de nouveau l'année prochaine. Cet à-côté obligatoire finançièrement, elle l'a transformé en un avantage bénéfique pour aérer son temps d'artiste. Elle ne nie pas que la liberté est un atout majeur à la création et qu'adapter son temps conséquent de recherches et de pratique en fonction d'un travail alimentaire est difficile.