EL CLUB DE LOS CINÉFILOS MUERTOS

Parece mentira que no hubiéramos hablado aún de un director de cine de animación. Sylvain Chomet, pese a su corta filmografía, ha conseguido que casi todos sus proyectos estén nominados al Oscar y que dos de sus películas sean consideradas entre las mejores películas de animación de los últimos 20 años.

Pásate a descubrirlo.

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En este programa comentaremos la vida y obra de uno de los más grandes cineastas españoles. LUIS BUÑUEL.

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En este nuevo programa nos metemos con uno de los grandes directores del cine italiano y de la historia del cine en general, Federico Fellini.

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En esta nueva entrevista nos meteremos de lleno en la labor del director de fotografía de la mano de LEÓN VELÁSQUEZ, un profesional con mucha experiencia pese a su temprana edad.

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En este programa podrás conocernos un poco más a fondo. Hablaremos de los diferentes trabajos que hemos hecho cada uno en la industria artística.

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¿Qué pasará, que a veces ganar el Oscar no lleva consigo más trabajo sino el declive de la carrera del artista? Hablamos en este programa de actores, directores, músicos... nominados o premiados por el Oscar que no han vuelto a tener un momento de plenitud en su carrera artística.

Para exponer el tema, empezaremos hablando de Elliot Goldenthal (Entrevista con el Vampiro, Batman Forever), compositor hoy en día olvidado que fue muy cotizado en los 90.

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Con mucho alcohol y café de por medio, retransmitimos en directo la 93ª gala de los Premios Oscar.
Se pueden ver las reacciones de Rubén, Guille, Mitoa y Maite mientras van sucediendo los premios ganadores.
Se trata del programa más largo de El Club de los Cinéfilos Muertos hasta la fecha, pero desde luego se hizo más entretenido que la propia gala.

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En el programa de hoy entrevistamos a Alejandro "Toro" Cuenca, actor y especialista en escenas de acción.

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En el programa de hoy hablaremos sobre grandes enemistades en el cine desde diversas ramas de la industria.

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En el programa de hoy hablaremos sobre la repercusión de diferentes casos de pedofilia cometidos en Hollywood a lo largo de los años.

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En el programa de hoy hablaremos de las películas olvidadas de Christopher Nolan.
Following, su primera película hecha en condiciones precarias y que fue la carta de presentación para que le produjeran Memento.
El Truco Final, una película muy diferente dentro de su filmografía con unos Christian Bale y Hugh Jackman en duelo constante.
Tenet, su última película, una de las primeras en estrenarse tras el confinamiento, que no alcanzó las expectativas creadas.

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En el programa de hoy haremos un debate y repaso por gazapos del mundo del cine y el porqué se producen éstos.

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En el programa de hoy haremos una entrevista a profundidad al actor, modelo y director de cine Chando Luna. Nos contarás sus aspectos profesionales y privados más privados.

La gran personalidad Chando Erik Luna en directo en El Club de los Cinéfilos Muertos.

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En los últimos años el cine español está teniendo un importante éxito internacional. Cada año salen grandes películas y emergen nuevos talentos. Sin embargo hay una fuerte discrepancia entre la crítica y un público generalmente descontento con el cine patrio exhibiendo argumentos más o menos sólidos.
¿Y tú? ¿Qué opinas del CINE ESPAÑOL?

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En este programa descubrirás que muchísimos actores y actrices de Hollywood que cantan y no lo sabías. Disfruta de nuestro concurso, ¡a ver quién acierta quien canta! Descubrirás a actores y actrices que tocan música y no lo conocías.

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Hoy hablaremos de la mítica actriz del Hollywood dorado, LIZ TAYLOR. Haremos un recorrido por sus mejores películas y su ajetreada vida. Daremos muchos datos curiosos y hablaremos de sus numerosos romances delante y detrás de las cámaras.

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El pasado 8 de febrero John Williams cumplía los 89 años. Compositor de bandas sonoras tan importantes como La Guerra de las Galaxias, Tiburón o Encuentros en la 3a fase.

Frente a bandas sonoras como las compuestas por Williams, reconocidas y recordadas, como Grease, Blues Brothers, Mad Max, Bailando bajo la lluvia, 2001 odisea del espacio, Rocky, Titanic, Westside Story o la Sirenita... podemos contraponer bandas sonoras de películas marginales, producciones europeas... versiones originales olvidadas que siguen siendo igual de buenas a pesar de no ganar premios o alcanzar un puesto alto en las listas de éxitos.

Yo no puedo olvidarme de bandas sonoras como la de Risky Business, Graffiti, Night on Earth, The Commitments, Showman, Europa... Musica que me acompañará para siempre, a pesar de haber sido olvidarás por la mayoría de la gente.

Os propongo hacer memoria. Te propongo volver a esos días en los que todavía íbamos al cine y recordar un par bandas sonoras que te marcasen a pesar de haber caído en el olvido.

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Hoy hablamos de los pioneros españoles que dejaron sus huellas, no sólo dentro de España, sino en Hollywood.
Aprende de la historia del cine con protagonistas como: Edgar Neville, Segundo de Chomón, Conchita Montes, Antonio Moreno o Sara Montiel.

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En nuestra primera entrevista en directo, nuestro colaborador Mitoa le hace una entrevista a CRISTINA RIVAS, representante de actores. A lo largo del programa, Cristina nos hablará de los secretos de la profesión, anécdotas entre actores y representantes y de cómo ha afectado el COVID al sector.

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Os presentamos nuestra primera entrevista. Hoy entrevistamos a ISATXA MENGÍBAR, actriz de doblaje con más de 30 años de experiencia. Especialmente conocida por ser la voz en español de LISA SIMPSON desde el primer capítulo, también a puesto voz a PUNKY BREWSTER, JINX del Lol, DEE DEE de El Laboratorio de Dexter y JAIMITO, JUANITO Y JORGITO de Patoaventuras.

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En el programa de hoy hablaremos de los Bee Gees, de Fiebre del Sábado Noche y de cómo el auge de la música disco despertó una desproporcionada reacción racista.

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Hoy vamos a hablar de grupos, bandas, artistas y cantantes que han compuesto bandas sonoras para el cine.
Desde Danny Elfman, pasando por Marilyn Manson hasta Daft Punk.

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Hoy comentamos la vida y obra de uno de los mejores artistas del siglo XX: Charles Chaplin.
Damos repaso a sus películas más célebres y os contamos datos curiosos de su vida privada.

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Para aquellos que amamos el cine como arte y admiramos a directores, actores y actrices, es sorprendente conocer de la cantidad de actores y actrices muertos en extrañas circunstancias, que caen en el uso y abuso de diferentes sustancias tóxicas y relaciones extrañas. 

La pregunta es 

- Esta circunstancia es culpa de los actores 🎭 o es la industria la que empuja al desastre?

Un programa lleno de anécdotas, historia y reflexiones con la participación de 

Maite, Sara, Rubén, Guillermo, Mitoa y nuestro propio replicante, IsiNexus.

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Hoy hablaremos de la vida y obra de Buster Keaton, uno de los más grandes artistas durante la época del cine mudo.
Repasaremos sus inicios, sus escenas de acción y su impacto en posteriores generaciones.

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Hoy nos zambullimos de lleno en la obra maestra de la ciencia ficción Blade Runner.

Todos los participantes nos hacemos las preguntas que el propio Deckard se hace en el film. ¿Quiénes somos? ¿Por qué estamos aquí? ¿Qué significa ser humano?

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Hoy nos detenemos a hablar de Alex North, compositor tristemente olvidado nominado hasta en 14 ocasiones al Oscar sin ganar una sola vez.

Nos centramos en una anécdota que comparte con el gran director Stanley Kubrick.

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Esta vez nos hemos juntado para hablar del registro dramático de Jim Carrey.

Un registro tan bien aprovechado como su registro cómico.

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Para conocernos un poco mejor hemos decidido probar este simple juego en el que decimos qué tres películas nos llevaríamos a una isla desierta para no cansarnos nunca de verlas.
Aquí hay de todo :D

Volvemos con las pilas cargadas, nuevos fichajes y nuevos temas. La reciente pérdida del gran Sean Connery nos ha hecho juntarnos para rendirle este pequeño homenaje.

Volvemos una vez más con Robin Williams. Esta vez para hablar de la segunda mitad de su carrera, “la cara triste” si queremos llamarla así. En esta segunda mitad cada vez tiene menos papeles cómicos. De hecho, interpretó solventemente varios papeles de villano. Un registro para él desconocido que nos hubiera encantado ver más a menudo. Sus últimas películas guardan extrañas coincidencias con eventos que ocurrieron u ocurrirían en su vida. Desde hace ya 6 años le echamos de menos y esta es nuestra forma de homenajearle.
Como siempre, nos gustaría detenernos en tres películas:
INSOMNIO: Injustamente olvidada película de Christopher Nolan. Remake de la película noruega de mismo título. No sólo estamos ante uno de los pocos remakes que aportan y mejoran al original, sino que estamos además ante una enorme interpretación de Robin Williams, haciendo de asesino frío y calculador. Su sola presencia ya es inquietante, pero su labor a lo largo de la película para dejar sin aliento a Al Pacino es increíble. Estamos ante su mejor trabajo de villano. Una auténtica pena que no le volviéramos a ver en un papel similar. Tal vez hoy estaríamos viendo un Joker con su cara.
EL MEJOR PADRE DEL MUNDO: De lejos, la mejor de las últimas películas que realizó Robin Williams en su carrera. Estamos ante una comedia muy negra sobre hacer una montaña de un granito de arena y cómo se puede llegar a ensalzar una figura que no merece ningún tipo de honra. Un guion que, salvo los últimos 10 minutos, lo podrían haber escrito los responsables de South Park. Tiene el dudoso honor de haber predicho, salvando las distancias, la muerte del propio Robin Williams. En la película, su personaje se encuentra a su hijo de una forma similar a la que se le encontraron a él la noche que decidió poner fin a su vida. Se rumorea que pudo haberse inspirado por esta cinta.
EL HOMBRE MÁS ENFADADO DE BROOKLYN: Tristemente solo será recordada por ser la última película del actor. Por lo menos en España se estrenó de forma póstuma y no dudaron en hacer publicidad con su muerte. Comparada con otras comedias de Robin Williams, palidece bastante, pero es curioso cómo la reacción del personaje al enterarse de que tenía una enfermedad degenerativa es la misma que él mismo tuvo cuando se enteró de su propia enfermedad. Miedo llevado a la rabia. También es especialmente llamativo que la última secuencia represente de manera casi acertada la ceremonia que hicieron con las cenizas de Robin Williams tras su funeral. Uno ve este tipo de coincidencias y se pregunta si los responsables de la película se veían venir algo. Tristes coincidencias, pero un último adiós bastante revelador.

Ya han pasado 6 años desde que nos dejó nuestro querido Robin Williams, un actor tan grande que ha ocupado dos programas completos en nuestro humilde club. De todos los artistas de los que hemos hablado en nuestro programa, estamos ante el único que tristemente ha fallecido, con lo que podemos profundizar en su vida y cómo le afectaba a nivel profesional. A lo largo de su carrera podemos ver una curiosa relación entre los papeles que escogía y su entorno personal. En este primer vídeo nos centramos en “la cara feliz” de su carrera, llegando hasta 1992 con Toys. El próximo lunes hablaremos de la segunda mitad de su filmografía.
Quisiéramos destacar tres películas de entre todas las que comentamos en este vídeo:
POPEYE: Porque por algún sitio hay que empezar. Después de sus apariciones televisivas en Saturday Night Live y series de televisión, a Robin Williams se le dio la oportunidad de protagonizar su primera película, ni más ni menos que la adaptación en carne y hueso del mítico dibujo animado de los años 20. Si algo nos demuestra esta película es que de todo se puede salir. Es, sin duda alguna, el peor trabajo que ha hecho Robin Williams. La película es, posiblemente, el peor musical jamás rodado. Ni los números musicales, ni las letras, ni los diálogos. No se salva nada. Las únicas alabanzas posibles recaen en la caracterización de los personajes y el diseño artístico. Tan mala es que Rubén ha acuñado el término “me la veo en plan Popeye” cuando ve una película mala de cinco minutos en cinco minutos porque se está aburriendo. Un mal comienzo lo tiene cualquiera.
EL CLUB DE LOS POETAS MUERTOS: Una película tan especial que quisimos homenajear desde el propio nombre de nuestro programa. Estamos ante el Robin Williams más equilibrado de toda su carrera. Se pueden ver perfectamente sus dos registros más habituales: el de un hombre simpático que busca sacar lo mejor de la gente de su alrededor y el de un personaje sutil, que con pocos amaneramientos lo expresa todo. Para muchos, entre ellos Guillermo, se trata del mejor personaje de Robin Williams. Una película con escenas memorables como la por todos recordada “oh capitán, mi capitán” o el gran mensaje: carpe diem. Hagas lo que hagas en tu vida, disfrútalo. Nunca dos palabras reflejaron tan bien la actitud de Robin Williams ante la vida.
ALADDIN: La tercera película que completa la trilogía del “renacimiento de Disney” (La Sirenita, La Bella y la Bestia y Aladdin), cambió para siempre la forma de concebir a los actores en una película de animación. Desde siempre, las películas de animación se han interpretado con actores de doblaje y algún que otro personaje ha estado interpretado por un actor de renombre para dar mejor tirón de taquilla. Sin ir más lejos, nuestro genio de la lámpara era Josema Yuste. Esta fue la primera película que cambió para siempre ese concepto. No es que Robin Williams interprete al genio de la lámpara, el genio de la lámpara es Robin Williams. El personaje está hecho a medida del actor y no al revés. Gracias al genio pudimos disfrutar de muchas ocurrencias e imitaciones propias del actor, convirtiéndolo al instante en uno de sus personajes más queridos.

Eterna secundaria, pero de una increíble calidad, Kathy Bates nos lleva acompañando desde principios de los 70. Su aspecto físico, un poco más forzudo y corriente en comparación con las estrellas de cine que estamos acostumbrados a ver, bien puede ser la razón por la que no le caen tantos protagonistas. Una lástima, porque pese al poquísimo tiempo que sale en ciertas películas, llena la pantalla. Siempre que se vea una película en la que sale Kathy Bates, el espectador se quedará con ganas de verla más tiempo y de disfrutar de su personaje. Poco ayuda también que haya tenido cierto encasillamiento en un rol que se podría definir como "ama de casa frustrada", que es bastante habitual en su filmografía. Quisiéramos detenernos en tres películas donde tiene un rol más protagónico.

Misery. Su primer protagonista, su primera nominación al Óscar y su primer premio Óscar a Mejor Actriz Principal. Insólito, pero todo un testamento al buen hacer de Kathy Bates encarnando a la Annie Wilkes de Stephen King. Estamos ante una de las mejores adaptaciones de Stephen King, con un estilo casi Hitchcockiano poco común en el cine de su director, Rob Reiner. Pese a que el gran actor, por aquel entonces, era su compañero de reparto James Caan, es Kathy Bates la que lleva el peso de la película llegando a hacer pequeño a Caan. Ambos lucen unas maravillosas interpretaciones. Bates tiene la dificultad añadida de resultar creíble en dos tonos completamente diferentes: el de señora cariñosa amabilísima y el de psicópata homicida. Estamos ante todo un recital de sus actores y a uno de los Óscar menos discutibles de todos los tiempos.

Tomates Verdes Fritos. El libro, la película y la comida favorita de Manjula de Los Simpson. Después del éxito del libro, que trataba el sur de América en los años 50 con una dignidad y cariño pocas veces visto, no tardó mucho en tener su adaptación al cine, igual de exitosa. Pese a que gran parte del peso de la historia recae en otros personajes, Kathy Bates supone la conexión con el espectador. Ella es quien escucha de primera mano esta historia a través del magnífico personaje de Jessica Tandy. Como dije más arriba, Bates interpreta una "ama de casa frustrada", pero de todas las veces que ha abordado ese registro, es de lejos la más entrañable y profunda. Ver a Kathy Bates daba la impresión de estar viendo a una señora corriente. Una señora que bien podría ser tu vecina, lo cual facilitó la empatía del público que se enganchó a la historia. Una película sobre las grandes historias que esconde la vida y sobre el poder que tiene en aquellos que las escuchan.

Eclipse Total. De vuelta con una adaptación de Stephen King, un King muy diferente al que estamos acostumbrados a ver, lejos de lo paranormal y lo terrorífico que nos ofrece una historia igual de intensa, pero más sujeta a la realidad. Kathy Bates interpreta a un personaje constantemente perseguido por su pasado, ya sea la relación con su hija, con el pueblo, con las autoridades o con su propia rutina. Posiblemente Misery sea su mejor película, pero Eclipse Total podría ser la mejor interpretación de Kathy Bates, que mantiene un interesantísimo duelo interpretativo con Jennifer Jason Leigh en el papel de su hija. Estamos ante un personaje complejo, repelente en primera instancia, pero humano y cercano una vez le vamos viendo las capas. Una película con varios momentos que no se irán de tu cabeza por más que lo intentes.

Pese a los escasos 12 años que lleva en activo en el cine, Jessica Chastain se ha convertido en una actriz muy a tener en cuenta en nuestra generación. A pesar de haber interpretado películas de todo tipo y tamaño, algunas mejores y otras peores, se ha desenvuelto con sobrada soltura en todas y cada una de ellas. Nunca se podrá decir que se ha visto una mala interpretación por parte de la actriz, convirtiéndose en un valor seguro de cada película en la que participa. Apadrinada por Al Pacino para representar su obra de teatro y después película Salomé de Wilde, ha trabajado desde entonces con directores de la talla de Guillermo del Toro, Christopher Nolan, Terrence Malick o Ridley Scott. Quisiéramos repasar tres de sus mejores interpretaciones.

Criadas y Señoras. Una película coral en la que Jessica Chastain se luce junto a Viola Davis, Octavia Spencer y Bryce Dallas Howard entre otras. Con Howard, por cierto, se ha hecho un conocido meme en el que las confunden por su curioso parecido: "I am NOT Jessica Chastain". Chastain tiene la difícil tarea de darle dignidad a un personaje en apariencia bastante tonto y simple, pero que esconde capas mucho más profundas. Una interpretación francamente entrañable que le valió su primera nominación al Oscar como Actriz Secundaria, premio que se llevó muy merecidamente su compañera de reparto, Octavia Spencer.

La Noche Más Oscura. La película sobre la caza de Bin Laden, estrenada apenas un año después de los eventos reales, fue dirigida por Kathryn Bigelow y protagonizada por Jessica Chastain. Pese a ser una película muy centrada en la propia investigación y "escenas de despachos" como se suele decir, el ritmo es endiabladamente alto y el peso de toda la trama cae sobre los hombros de Chastain. A través de su implacable mirada presenciamos cómo la guerra la está cambiando y cómo la investigación le va obsesionando hasta límites enfermizos. Algunas de sus escenas más intensas están registradas en esta película. Supuso su segunda y última nominación al Óscar, esta vez como Actriz Principal. Por aquel entonces, los sondeos contaban prácticamente con que el premio se lo llevaría ella, pero en última instancia se lo acabó llevando Jennifer Lawrence por El Lado Bueno de las Cosas.

El Caso Sloane. Injustamente olvidada por no haber formado parte de la temporada de premios, El Caso Sloane es una mejor película que varias de las nominadas aquel año de 2016. Estamos ante uno de los mejores thrillers políticos de los últimos años, con una demoledora crítica al sistema político actual, a la manipulación de los medios de comunicación y a numerosos problemas de la sociedad americana. Según palabras de la propia Chastain, es la película en la que más le ha tocado hablar. Cada intervención de su personaje tiene varias páginas de diálogo a toda velocidad, toda una complicación añadida. De un modo parecido a La Noche Más Oscura, Chastain es dueña y señora de la película dando vida a uno de los personajes más retorcidos y despreciables que se han visto últimamente.

Hablamos hoy de uno de los grandes actores de nuestra generación, que a pesar de tener una filmografía más corta que otros actores que llevan el mismo tiempo, nos ha ofrecido personajes inolvidables, interpretaciones que cortan el aliento y ha ganado 3 Óscares a Mejor Actor Principal.

Se trata de Daniel Day-Lewis, actor de método muy comprometido con sus personajes y que ha amenazado varias veces con retirarse. No sabemos si esta última será la definitiva. Con unos inicios en los que tuvo participaciones pequeñas en películas como Domingo, Maldito Domingo y Gandhi, poco a poco se fue haciendo un nombre en Inglaterra e Irlanda hasta que le llegó su primer gran papel en Mi Pie Izquierdo.

En el club queremos destacar los tres trabajos por los que ganó el Óscar.

Mi Pie Izquierdo. Posiblemente Daniel Day-Lewis abrió la veda de esa regla no escrita de los Óscares en las que si interpretas a un personaje con una deficiencia física, mental o las dos a la vez, prácticamente tienes garantizado el Oscar. La labor física de Daniel Day-Lewis es inconmensurable por interpretar a un hombre que únicamente tiene movilidad en su pie izquierdo, pero que pese a su parálisis esconde un gran intelecto por encima de la media. Es un trabajo que seguro que sirvió de inspiración a Eddie Redmayne a la hora de afrontar su Stephen Hawking en La Teoría del Todo.

Pozos de Ambición. La épica película de Paul Thomas Anderson contó con un Daniel Day-Lewis en estado de gracia. Estamos ante una historia sobre el poder. Cómo alguien tiene orígenes humildes y va prosperando hasta que el éxito y el poder le corrompen alejándolo de lo que realmente importa. Una de las características de este actor es que parece pertenecer al siglo pasado y no cuesta mucho integrarle en historias de finales del siglo XIX, principios del XX. En el caso concreto de esta película, además, presenciamos la escena más loca protagonizada por Daniel Day-Lewis. La escena final en la bolera. Lewis siempre tiene un momento en sus películas en el que le dejan jugar y actuar por libre. Creemos que este es uno de los mejores regalos que nos ha brindado.

Lincoln. Su último Óscar le vino dado por una película de Spielberg centrada en la figura de Abraham Lincoln y cómo consiguió aprobar la tercera enmienda, vital para la liberación de los esclavos de América durante la Guerra de Secesión. El cariño que hay por la recreación de la época y los personajes implicados en la historia es palpable en todo momento, pero especialmente en Daniel Day-Lewis, que se convierte en Lincoln. Habla como él, camina como él, respira como él. Agradeció, entre muchos otros, al guionista, Tony Kushner, por su exquisito uso del lenguaje, que le hizo disfrutar mucho de sus cuantiosas escenas de diálogo.

Una maravillosa película y la gran ganadora del año 94, el año de Cadena Perpetua, Pulp Fiction y El Rey León. Estamos ante una de las películas más originales de los 90 con uno de los personajes más queridos de todos los tiempos.

El alma de la película dirigida por Robert Zemeckis no es otro que Tom Hanks, el encargado de dar vida a Forrest Gump que le valió su segundo Óscar al Mejor Actor Principal. El primero lo tuvo por Philadelphia. De la manera más pura e inocente, la película nos cuenta la, por aquel entonces, historia reciente de los EEUU. El personaje de Forrest Gump encuentra modos a cada cual más sorprendente de relacionarse con grandes personajes de la historia americana o de protagonizar eventos clave como la Guerra de Vietnam o el movimiento hippie. Tom Hanks interpreta a un hombre con una deficiencia mental que, lejos de resultar ridículo u ofensivo, llega a emocionar por su simpleza y compasión mientras ve cómo el mundo y la gente de su alrededor cambia.

Un aspecto que casi siempre pasa desapercibido al hablar de la película, pero no menos importante que el resto, son los efectos especiales. Mediante unos cuidadísimos efectos especiales para la época, Tom Hanks es integrado en grabaciones reales de programas de televisión de aquel entonces, entrevistas e incluso llega a darle la mano al presidente Kennedy. Estos efectos puede hacerlos hoy en día un Youtuber que tenga croma y maneje bien ciertos programas de edición, pero hace 26 años fue toda una hazaña. También fueron eliminadas digitalmente las piernas de Gary Sinise para crear al gran personaje que es el teniente Dan. Después de todo este tiempo, los efectos especiales no han envejecido un ápice.

Estamos pues ante una película atemporal, para toda la familia, con un Tom Hanks como nunca ha estado antes y con grandes momentos que nos harán reír y llorar. En el club destacamos especialmente la divertida escena en la que se destapa el Caso Watergate y uno de los momentos finales en los que Forrest conoce a su propio hijo. No se la pierdan.

Junto con La Profecía, es la gran película de terror de los 70. Consiguió la gran hazaña de ser la primera película de terror nominada al Oscar a Mejor Película. Un total de 10 nominaciones de las cuales se llevó dos premios: Mejor Guion Adaptado y Mejor Sonido. Un guion escrito por el mismo autor de la exitosa novela en la que se basó, William Peter Blatty. Tanto novela como película no dejaron indiferente a nadie y generaron cierta controversia por los temas mostrados.

La película mostraba al demonio como nunca antes se había visto en el cine, a través de la mirada de una niña, una inolvidable Linda Blair. El demonio se adentra en la pequeña Regan después de jugar con una ouija. Es trabajo del Padre Karras y el Padre Merrin expulsar al demonio del cuerpo de la niña.

Estamos ante una película que cambió para siempre la forma de filmar terror. Una forma de hacer que llega hasta nuestros días con ejemplos como Hereditary o Expediente Warren. El director, William Friedkin se ahorró los sobresaltos típicos del género en la medida de lo posible a cambio de una atmósfera inquieta mucho antes de que la presencia del demonio empiece a hacer sus estragos. Hábilmente concentró el terror en la habitación de la niña, que cuenta con un diseño de color completamente diferente al resto de la casa y que complementa el deterioro de Regan. Es especialmente reseñable el mimo por el detalle, como pueden ser esos perros peleando al principio nada más desenterrar una misteriosa estatua como señal de mal augurio o los momentos concretos en los que el espectador se preguntará si ha visto o no una cara en el fondo de la imagen.

Llena de momentos terroríficos y absolutamente memorables, fue tal el impacto que años después, en el 2000, se estrenó un Corte del Director. Una versión con todas las escenas censuradas antaño, incluida la famosísima escena en la que Regan baja las escaleras como si fuera una araña y vomita sangre. Debido al paso del tiempo y al cambio en la sociedad, esta versión fue recibida con más risas que sustos, pero ciertamente es la forma definitiva de disfrutar de este clásico del terror.

El Exorcista cuenta con varias secuelas y hasta una serie de televisión. El Exorcista 2: El Hereje, fue dirigida por John Boorman, un director que confesó que no le gustó nada la primera parte. A la vista está, ya que el rumbo que toma la secuela es totalmente diferente. A pesar de los viajes alucinógenos a través de la mente y de contar de nuevo con Linda Blair como protagonista, no gustó mucho entre el gran público. El Exorcista 3, esta vez dirigida por el propio William Peter Blatty, se acerca mucho más a la atmósfera y tono de la primera. Pese a tener ciertas secuencias cuestionables, como un inicio cómico no intencionado, una vez el miedo vuelve a concentrarse en un espacio cerrado, esta vez en una celda, la película mejora enteros. Se trata de la auténtica secuela de El Exorcista.

Analizamos una de esas películas que todo el mundo conoce pero que, sin embargo, poca gente ha confesado haber visto. Se trata de Fiebre del Sábado Noche. La película que catapultó a la fama a John Travolta como actor y a los Bee Gees como grupo muy a tener en cuenta en el culmen de la música disco.

Desde luego la banda sonora no necesita presentación. Algunas de las canciones más famosas de la historia pueblan las diferentes escenas de la película. Staying Alive, More than a Woman, How Deep is Your Love, You Should Be Dancing y, por supuesto, la que da título a la película, Night Fever. Como curiosidad, resaltar que Staying Alive es la canción más usada en el cine en diversos homenajes y parodias que vinieron después de la película.

Sin embargo, podemos decir que la banda sonora es, de lejos el mejor aspecto de la película junto con sus icónicos números de baile. En lo que resta, tenemos alguna que otra escena dramática interesante y una trama que parece ser la excusa para conectar números de baile con acertadas coreografías para la época. Como dice Guillermo, el personaje planteado por John Travolta es mejor que la película en la que le han metido. Personaje el cual le valió su primera nominación al Oscar con tan sólo 23 años.

John Travolta, además, ganó una estrecha amistad con los Bee Gees durante la producción de la película. Amistad que aún se mantiene con Barry Gibb, el único superviviente de la banda.

Nos tememos que, al contrario que con otras películas, Fiebre del Sábado Noche pertenece a su época y tiene poco que hacer hoy en día más allá de su inolvidable banda sonora y el personaje de Tony Manero, el cual ha inspirado hasta grupos disco como Fundación Tony Manero.

ARRUGAS 👨🏻‍🦳 es una película de animación española basada en el maravilloso cómic de PACO ROCA y está protagonizada por ancianos que viven en una residencia. Ganadora de 2 PREMIOS GOYA 🎬: Mejor Película de Animación y Mejor Guión Adaptado.

Se trata de una de las mejores representaciones del ALZHEIMER 🧠 que ha habido en el cine .

Acompáñanos 🎧 mientras la analizamos a través de Skype debido a la situación que no debe nombrarse 🙊.

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