Esto es sobre...

Oscar Gómez Mata es un creador escénico integral (director, actor, autor y escenógrafo) que comenzó su carrera a finales de los años 80 en su Euskadi natal con la compañía Legaleón-T. En 1997 se instaló en Ginebra, donde todavía reside, y allí creó la compañía L’Alakran, con la que ha llevado a escena decenas de piezas que exploran una manera cómico-política de hacer teatro. Actualmente es también artista asociado en el Centro de Sociedad y Cultura Contemporánea Azkuna Zentroa-La Alhóndiga Bilbao.

(de la web del CDN)

"Mónica Valenciano, Premio Nacional de Danza 2012 en la modalidad de Creación. Baila... como quien excava en el cuerpo, des-obstaculizando, abriendo nuevos circuitos que permitan acceder a la escucha de su voz, explora a través de la escritura corpo-gráfica – la respiración del movimiento - la acústica del gesto – la multifocalidad  del cuerpo – el cuerpo desplegable en su polifonía y posibilidades relacionales.

Asistiendo al descubrimiento de texturas, tonalidades, cualidades y calidades que emergen de la visión de ensayo como continuo proceso de revelado.

Sucede desde la práctica de captación misma, en esa escucha del cuerpo-movimiento como instrumento y lugar de resonancia, hacia la formulación de un lenguaje que no trata de explicar nada, sino de implicarnos en la convocación del encuentro, mediante el cultivo de un estado de presencia que resuene íntimamente a través del espectador.

Investiga sobre la capacidad de habitar cualquier espacio – aprender a acompañar el tiempo – liberar la voz del cuerpo escondido en el cuerpo que baila – estar en el aire de un movimiento cualquiera. Desaparecer cada vez mejor permitiendo que algo aparezca, se convierte así en el movimiento esencial.

Sus últimos trabajos son:

Es luna llena en la cicatriz, en colaboración con la artista plástica Elena del Ribero y comisariada por Mateo Feijoo.

El lugar de los pasos perdidos, Centro de la Imagen (La Virreina), Barcelona, en colaboración con la artista plástica Inmaculada Salinas."

(de la web de La Casa Encendida)

"Nací en el barrio obrero de Peña Grande en Madrid. Aunque me licencié en Interpretación por la RESAD en 2002 desde que salí siempre he dirigido mis propios trabajos escénicos. También actúo siempre en ellos, y alguna vez en el cine. Como intérprete, he trabajado con Xavier Leroy, Cuqui Jerez, Los Bárbaros y Juan Domínguez, entre otros, y en cine con Icíar Bollaín, Roser Aguilar y Belén Funes.

Vivo en Barcelona desde 2012 y desde 2019 soy profesora del Institut del Teatre. Mi circuito durante mucho tiempo ha sido el de la danza, y entiendo la escena desde lo coreográfico.

Algunos de mis trabajos escénicos son cUADRADO_fLECHA_pERSONA qUE cORRE (2004), The set Up (2008), ciencia_ficción (2010), El Agitador Vórtex (2014), Bad Translation (2016) y Pelucas en la Niebla (2018), además de Lo mínimo y lo pequeño (2019) junto a Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol. Mi obra más reciente es Grandísima Illusione (2022).

He presentado mis trabajos en festivales, museos y teatros nacionales e internacionales y he tenido la suerte de contar con la producción de La Villette de Paris, El Festival Grec, Le Phènix, El Mercat de les Flors y  Condeduque, entre otros.

Me gusta mucho el cine, especialmente la ciencia-ficción, y mi trabajo escénico bebe mucho de este género, además de las artes plásticas, la música y la baja cultura. Me interesan los mecanismos del propio teatro y sus convenciones, el humor, la mezcla de géneros y formatos y especialmente la relación con el público."

(de la web del CDN)

Pablo Messiez nació en Buenos Aires en 1974. Debutó en 2007 como dramaturgo y director de Antes, una versión muy libre de Frankie y la boda, de Carson McCullers. Ha actuado para directores de la escena argentina como Leonor Manso, Cristian Drut, Rubén Szuchmacher y Daniel Suárez Marsal, entre otros.

En 2022, estrena La voluntad de creer, de la que es autor y director, en las Naves del Español en Matadero, ganador del Premio Max al mejor espectáculo en 2022 y que actualmente sigue de gira por España.

En 2019 es invitado por el Teatro de la Zarzuela de Madrid a dirigir su versión de La verbena de la Paloma en el marco del Proyecto Zarza, y estrena en el ambigú del Teatro Kamikaze La otra mujer (un concierto), una pieza inspirada en Nina Simone y Nina de La gaviota. También en 2019 estrena Las canciones, obra de su autoría, para El Pavón Teatro Kamikaze.

En 2018 escribe y dirige para la Kompanyia Lliure El temps que estiguem junts que estrena en el Espai Lliure y es nominado a los premios Valle-Inclán por su montaje de He nacido para verte sonreír. Este mismo año, estrena en el Teatro San Martín de Buenos Aires, la versión escénica de Cae la noche tropical de Manuel Puig.

En 2017 estrena en el Teatro de La Abadía el texto de Santiago Loza, He nacido para verte sonreír y Bodas de sangre de Federico García Lorca en el Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional.

En 2016 estrena La distancia, versión escénica de la novela Distancia de rescate, de Samanta Schweblin representada en El Pavón Teatro Kamikaze. El mismo año estrena además dos textos propios: Ningún aire de ningún sitio, en el marco del festival El lugar Sin Límites en el Centro Dramático Nacional, y Todo el tiempo del mundo en el Teatro Palacio Valdés de Avilés.

Paralelamente a su trabajo como actor, autor y director, ha ido desarrollando su actividad docente en diversos estudios e instituciones. Ha publicado Asymmetrical-Motion; Notas sobre pedagogía y movimiento –en coautoría con Lucas Condró–, Las palabras de las obras, recopilatorio de parte de sus textos, y El tiempo que estemos juntos, todos editados por Continta Me Tienes.

© Laia Nogueras (extraído de la web del CDN)

Olga Mesa

Coreógrafa y artista visual, Olga Mesa es una de las figuras clave de la danza española contemporánea. Sus obras se sitúan deliberadamente en la frontera entre la danza, la performance, las artes visuales, el cine y la instalación. Olga ha hecho de la cámara su cómplice. A través de ella, cuestiona la experiencia del espacio y la construcción de la mirada, en la que sucuerpo se convierte enherramienta de visión, sujeto y objeto de sus narrativas.

Después de sus primeras piezas cortas realizadas en Nueva York (1989-1992), regresa a España donde crea su propia compañía en Madrid y presenta su primera pieza larga, Lugares Intermedios, inspirada en un viaje al desierto de Arizona. Su interés por los trabajos audiovisuales junto con su trabajo escénico la llevaron en 1995 a producir el video Europas (con la participación de La Ribot y Francisco Camacho). Esta película obtendrá el primer premio del festival de vídeo de Tondela (Pt),y será seleccionada para la exposición itinerante Señales de Vídeo : Aspectos de la vídeocreación española, organizada por el Museo Nacional ReinaSofía (Madrid).

Durante este período, participa activamente enel desarrollo de la nueva danza de Madrid, especialmente dentro de la asociación UVI-La Inesperada junto a Ana Buitrago, Blanca Calvo,Elena Córdoba, La Ribot y Mónica Valenciano.

Las creaciones escénicas de Olga Mesa se desarrollan en torno a ciclos temáticos. El primero de ellos, Res, non verba, incluye el solo acompañado estO NO eS Mi CuerpO (1996) que se reactivará en 2001 para el Teatro de la Ville (Paris). El mismo año, crea Le dernier mot para el bailarín Marc Hwang, producida por el Festival La Bâtie de Ginebra. Será el primer movimiento de su segundo proyecto temático, Más público, más privado (2001-2006). Su tercer movimiento, el solo acompañado Suite au dernier mot : au fond tout est en surface, creado en 2003 en colaboración con el artista visual Daniel Miracle, llevará a la compañía en 2005 a suprimeragira por América Latina.

En 2005, se traslada a vivir a Estrasburgo, donde ha desarrollado nuevas colaboraciones (CDCN Pôle Sud, FRAC Lorraine, FRAC Alsace, Universidad de Estrasburgo, Haute école des arts du Rhin,) y crea la compañía Hors Champ // Fuera de Campo. En 2009 comienza el proyecto temático LabOfilm (2009-2012) cuya obra más emblemática es El lamento de Blancanieves, donde profundiza enel vínculo entre el cuerpo operador y el trabajo audiovisual.

Desde 2012 codirige la compañía Hors Champ // Fuera de Campo con el artista multimedia Francisco Ruiz de Infante. Con él realiza el proyecto temático Carmen // Shakespeare (2012‐2022). Dentro de dicho proyecto nacen cuatro piezas escénicas, performances, películas, publicaciones, el laberinto expositivo Presagios del Deseo (presentado en los museos Artium, Vitoria-Gasteiz y Tabacalera, Madrid en el 2018) y la obra escénica de larga duración Carmen // Shakespeare : la Total que reúne en un solo programa los diferentes actos escénicos de la tetralogía. La obra ha sido presentada en Matadero, Madrid, en el Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz y dentro de la « Constelación» presentada por el Mercat de les Flors alrededor de diferentes obras de su repertorio.

Enel 2016 recibe la distinciónde "Caballero de la Ordende las Artes y las Letras" del Ministerio de Cultura francés y se publica unlibro sobre sutrayectoria : Olga Mesa y La Doble Visión.

En 2019 trabaja los conceptos de "transmisión" y "repertorio" a través de la revisión de su obra estO NO eS Mi CuerpO con la bailarina Natacha Kouznetsova y endiálogo con Ruiz de Infante.

Actualmente, trabaja en el proyecto fílmico, instalativo y escénico Una Mesa Propia (danza de manos) (2020-2024).

(del dosier de 'Una Mesa Propia (danza de manos)'.

Una conversación con Shaday Larios (de la compañía Oligor y Microscopía y la Agencia El Solar de detectives de objetos.

Shaday Larios (Ciudad de México, 1978) es objetóloga. Doctora en Artes Escénicas por la Universidad Autónoma de Barcelona y licenciada en Letras Españolas por la Universidad de Guanajuato (México), funda en 2004 el grupo de escena con objetos Microscopía Teatro. Se dedica a la investigación-creación del «teatro de objetos documentales» con su socio Jomi Oligor, de Navarra, con quien dirige la compañía Oligor y Microscopía. Es cofundadora, junto al mencionado Jomi y Xavi Bobés, del colectivo El Solar. Agencia de detectives de objetos, dedicado a explorar los vínculos entre barrio, memoria, escena y objetos cotidianos. Ejerce como docente y conferenciante sobre objetualidad y escena en múltiples instituciones. Asimismo, escribe artículos para diversas publicaciones periódicas sobre poéticas contemporáneas del teatro de formas animadas. Con el texto Escenarios post-catástrofe: filosofía escénica del desastre obtiene el Premio Internacional de Ensayo Teatral 2010, convocado por el Instituto Nacional de Bellas Artes a través del CITRU, en coordinación con Paso de Gato y Artez. Es autora del libro Los objetos vivos. Escenarios de la materia indócil (Paso de Gato, 2018).

(bio copiada de la web de La Uña Rota)
http://www.larota.es/autores/autores/shaday-larios

Una conversacion con Will Keen, aprovechando el estreno de 'La gran cacería', de Juan Mayorga, en el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid. Ficción, imaginación y rituales laicos.

Foto: Laura Ortega.

Esto es una conversación con la creadora y coreógrafa Natalia Fernandes, colaboradora habitual de Jesús Rubio Gamo y Poliana Lima, actriz en 'Las niñas zombi' de Celso Giménez y artífice de la pieza 'Lingua', entre otras cosas.

Una charla con Poliana Lima sobre Las cosas en la distancia y Oro negro, dos piezas muy distintas y distantes entre sí. Poliana es coreógrafa, directora e intérprete de danza, además de socióloga. Hablo con ella sobre transformación, referentes y herramientas en su trabajo de creación.

Una conversación con Pablo Rosal sobre escritura escénica.

Pablo Rosal es poeta, dramaturgo, actor y director de escena. Autor de Los que hablan (2020). Intérprete en la Agrupación Señor Serrano (Kingdom, 2017-20) y actor y dramaturgo habitual en la Sala Beckett de Barcelona. En el 2020 se estrenó su primera película como guionista, productor y actor, Un trabajo y una película. En 2022 estrenó Castroponce, que escribe, dirige e interpreta. En 2023 estrenó Asesinato de un fotógrafo, escrita y actuada por él, con dirección de Ferrán Dordal.

Más info sobre él:
https://pablorosal.com/

Una conversación con Fran Vélez sobre dramaturgia performativa y escritura escénica.

CRIATURAS SALVAJES, de Fran Vélez, pudo verse en la Sala Pradillo el pasado 3 de septiembre, como parte de las muestras del Máster del Reina Sofía. Fran es un tipo fascinante, con un lenguaje singular. Poeta, performer, creador (entre otras cosas) que formó parte junto con Carmen Aldama del prodigioso colectivo Les Myrtilles. Nos tomamos unos vinos y hablamos de la pieza, que está en proceso.

Esta es la info que se publicó en la web de Pradillo.

“La materia, reducida a la parte congruente, converge en el signo para crear lo inmaterial.”

Boris Cyrulnik

- si es una flecha, entonces señala algo.

– y si no es una flecha, entonces no señala nada.

Witold Gombrowicz

La propuesta consiste en la elaboración en tiempo real de una arquitectura de palabras suspendidas en el espacio. La escena se abre como un lugar de transición entregado a pequeños accidentes poéticos que buscan evidenciar el carácter fugitivo del lenguaje.

Fran Vélez Martínez (Madrid). Actor y creador escénico. Licenciado en Bellas Artes por la UCM y por la Universidad ArtEZ (Holanda), funda en 2017 junto con Carmen Aldama el colectivo Les Myrtilles con el que ha obtenido las ayudas a la creación INJUVE 2019 y ha sido residente en Conde Duque. Su interés radica en la relación entre el lenguaje y los procesos perceptivos.