NÉGATIF

En 2019, nous rencontrions Claude Schmitz pour son étonnant court-métrage devenu long-métrage, Braquer Poitiers. Trois ans plus tard, nous partions une deuxième fois à sa rencontre pour Lucie perd son cheval, considéré comme un téléfilm même s’il est lui aussi sorti en salles comme long-métrage début 2023. Pour cette troisième rencontre, Claude Schmitz nous présente son premier long-métrage : L’Autre Laurens, en salles le 4 octobre.

Entre le film de genre revisité et le polar comique postmoderne, L’Autre Laurens est l’histoire de deux frères, les frères Laurens. L’un, François, vient de mourir ; l’autre, Gabriel, est détective privé. La fille de François vient chercher son oncle pour enquêter sur la mort de son père dans les Pyrénées, entre gang de bikers, narco trafiquants espagnols, GI américain et flics véreux. Comment François est-il mort ? Est-ce un accident ou un meurtre ? Il y a-t-il un complot ? Qui est responsable ? Qui était vraiment François ? Et qui est vraiment Gabriel, son jumeau ?

Derrière cette enquête à résoudre, Claude Schmitz a construit un scénario autour de personnages aux « doubles sens et fonctions » questionnant le cinéma, ses codes et archétypes. Metteur en scène au théâtre, le réalisateur s’inspire de la manière qu’avait Shakespeare de faire cohabiter les genres dans un même un récit. Des sorties de route et la possibilité d’un cinéma baroque ?

LES CHAPITRES

00:00:00 – Introduction

00:00:59 – Invention et bricolage

00:02:50 – Déjouer codes et archétypes

00:05:33 – Un polar déguisé

00:10:03 – La trahison des pères

00:16:10 – Baroque et sorties de route

00:22:58 – Des fonctions des personnages

00:29:07 – Supports à imagination

00:36:55 – Image et contrastes de jeux

00:44:17 – De la singularité des acteurs

00:51:45 – Temporalités et métamorphose

01:01:05 – À suivre : spin-off et Tintin

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⁠revue.negatif.co/entretien/robin-campillo-l-ile-rouge

RÉSUMÉ

Après Les Revenants (2004), Eastern Boys (2014) et 120 Battements par minute (2017), Robin Campillo signe avec L’île rouge son quatrième long-métrage. Son dernier film en date était à la fois un film sur une époque, au sens historique, et un film sur un moment important de sa vie personnelle : les années 1990, votre engagement militant auprès d’Act Up et ces années de lutte pour combattre l’épidémie du sida.

Avec L’île rouge, Robin Campillo prolonge ce double geste initié dans 120 BPM, mêlant cette fois-ci une forme du fin du colonialisme de la France au tournant des années 1970, une époque où il était enfant dans l’ex-colonie française de Madagascar. Son père était sous-officier dans l’armée de l’air alors que la France possédait toujours une base sur le territoire malgache devenu indépendant.

Une base militaire qui devient le terrain d’exploration de l’alter ego du cinéaste : le jeune Thomas, qui y habitait avec sa famille. Robin Campillo filme un crépuscule (celui d’un monde, celui du couple de ses parents, incarnés par Nadia Tereszkiewicz et Quim Gutierrez) et la naissance, voire la métamorphose d’un regard.

Autofiction plus qu’autobiographie, L’île rouge puise dans les souvenirs multiples du jeune Robin pour entremêler des lignes narratives multiples à la fois autonomes et interdépendantes. ambitionne de dresser un portrait de groupe alliant intime et politique : une articulation proprement politique.

Dans cet entretien, Robin Campillo raconte comment il s’est projeté et a projeté ce qu’il était enfance pour créer une matière filmique propre ; son rapport au réel et à l’imaginaire ; le scénario comme puzzle ; mais aussi comment faire la révolution à l’intérieur de son propre film.

LES CHAPITRES

00:01:18 – Lutter contre la sédentarité
00:03:44 – Réalité hirsute et scénarios contradictoires
00:07:47 – Le tournage hante l’écriture
00:12:03 – La politique : de l’intime au collectif
00:15:58 – Du portrait de groupe
00:20:14 – Son enfance comme ressource formelle
00:24:44 – Rendre le film aux malagasy
00:31:20 – Découvrir de nouveaux mondes
00:33:57 – « Veloma » par Mahaleo

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revue.negatif.co/entretien/sophie-letourneur-voyages-en-italie/⁠

RÉSUMÉ

Venue au cinéma par les arts plastiques, Sophie Letourneur signe avec Voyages en Italie, un second long-métrage original en salles en 29 mars 2023. Film autoproduit, Voyages en Italie a été créé de bout en bout par Sophie Letourneur. Tour à tour scénariste, réalisatrice, actrice puis monteuse, la cinéaste intervient à toutes les étapes pour construire son geste entre documentaire et autofiction.

Elle incarne son alter ego, Sophie, cinéaste parisienne en crise dans son couple parisien, ce qui la conduit, avec Jean-Fi (Philippine Katerine), à partir en Italie, plus précisément en Sicile, pour tenter de se sauver. L'enjeu est posé : faut-il rendre le quotidien extraordinaire ou chercher l'extraordinaire ailleurs ?

Le film étonne par ses multiples couches : Sophie Letourneur l'a écrit à partir de sa propre expérience, pour faire de l'autobiographie une autodérision, et la rejouer dans une comédie quasi documentaire sous forme de road movie romantique voire en réalité anti-romantique, ou a-romantique.

Dans cet entretien, Sophie Letourneur raconte comment elle a construit une méthode de fabrication adaptée à son projet : tournage d'une maquette filmée-montée en guise de repérages, opposition 35mm/caméra numérique vintage et texte donné aux deux comédiens via des oreillettes.

LES CHAPITRES

00:00:55 – Autoproduction et artisanat
00:04:36 – Déprofessionnaliser le tournage
00:08:36 – Tendresse et amour du vieux couple
00:13:14 – La maquette comme premier objet
00:17:03 – Image hyperréelle
00:20:51 – Un film de collage
00:25:33 – Matière et instinct
00:27:00 – Une trilogie

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Découvert dans la subversive sélection « Diagonales » du festival Premiers Plans d’Angers, Astrakan s’est révélé être un beau premier long-métrage, offrant un regard  tendre et brut sur l’enfance. Rencontrer David Depesseville nous a  permis de retracer pas-à-pas les gestes qui ont conduit à la création de  ce portrait sensible d’un orphelin, Samuel.

Enfant placé dans une famille rurale et précaire du Morvan, il  rejoint un foyer composé d’une fratrie et deux parents. Marie et Clément  ont accueilli Samuel par nécessité financière (l’allocation versée en  échange de cette prise en charge), mais le considèrent peu à peu comme  un troisième fils. Malgré tout cela, Samuel demeure de fait un étranger  dans cette famille.

Lycéen, David Depesseville écrivait sur les films. Il a continué  cette pratique réflexive dans un carnet et souhaite que le spectateur,  lui aussi, soit troublé par ses images : « J’aime bien les films qui  demandent à repenser le film a posteriori. Remettre en cause la  perception du spectateur me semble être la moindre des choses pour  continuer de s’interroger sur qu’est-ce qu’une image ? qu’est-ce que je  vois ? comme je la vois ? » Tout un programme et une confiance folle  dans le cinéma pour le réaliser.

00:00:00 – Introduction
00:01:43 – D’une cinéphilie secrète au désir de filmer
00:10:54 – Puissances mélodramatiques de l’orphelin
00:18:22 – Insuffler un souffle dès le scénario
00:23:43 – Samuel et la mémoire traumatique
00:29:33 – Écrire des personnages complexes
00:37:30 – Choisir les acteurs, voix et corps
00:43:12 – Chuchotements et confiance
00:49:26 – Le travail essentiel du découpage
00:57:58 – Naturalisme et réalisme
01:07:25 – Faire délirer le film
01:13:27 – Les images au service de la musique
01:23:05 – Continuer à filmer, à pratiquer

POUR NOUS SUIVRE ⬇ 

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Entretien avec Claude Schmitz, réalisateur de "Lucie perd son cheval"
https://revue.negatif.co/entretien/claude-schmitz-lucie-perd-son-cheval/

RÉSUMÉ
En 2019, nous rencontrions Claude Schmitz pour son étonnant court-métrage devenu long-métrage, Braquer Poitiers. Trois ans et une pandémie plus tard, le cinéaste belge revient avec ce qu’il nomme un « objet curieux peu définissable » : Lucie perd son cheval, un second long-métrage en salles en 8 février 2023.

Pièce de théâtre avec une partie filmée, Lucie perd son cheval est devenu un film en adaptant la partie théâtrale de ce premier objet hybride pour en devenir un second, repoussant la frontière entre les mediums. Claude Schmitz filme Lucie Debay, à la fois femme, mère, actrice et chevaleresse, dans les Cévennes puis dans un théâtre à l’arrêt, où reprend une répétition du Roi Lear.

Dans cette entretien où nous perdons le fil comme Lucie, il a été question du dispositif mis en place, sans préméditation, par Claude Schmitz. « Il faut créer des contextes où les uns et les autres puissent trouver des terrains de création et de vibration ». Comment advient une telle forme, si déroutante pour l’œil qui la découvre ?

« J’ai l’impression d’être à l’endroit de l’observation, d’essayer de capter une présence et de la mettre dans un contexte qui n’est pas forcément complètement rationnel mais qui serait mutant, procédant par métamorphoses, par glissements de terrain ou par digressions. »

De ces circonstances particulières de création à la question primordiale de la sieste au cinéma, Claude Schmitz interroge le pouvoir poétique du cinéma et l’imagine comme une possibilité de rêverie : « Je n’ai pas beaucoup d’imaginaire ou de vision. C’est le monde qui en est rempli. Si l’on est attentif, tout arrive. »

LES CHAPITRES
00:01:58 – Des objets curieux et peu définissables
00:07:13 – Théâtre et cinéma : ruptures et carambolages
00:13:50 – Sans scénario, inventions et improvisations
00:17:42 – Portrait d'une femme et du métier d'actrice
00:21:51 – Être à l'endroit de l'observation
00:25:08 – Un projet qui s'invente en même temps qu'il se crée
00:31:20 – Laissez-faire et autorité du réalisateur
00:37:03 – Du cadre de sens et des petits cadres
00:42:23 – S'endormir au cinéma & Pacifiction
00:47:54 – Des supports à rêverie
00:55:11 – À suivre : polar, années 80 et effondrement

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Entretien avec Swann Arlaud, comédien dans "Tant que le soleil frappe"
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Lumineux dans le long-métrage de Philippe Petit Tant que le soleil frappe en salles le 8 février 2023, Swann Arlaud était invité à présenter ce film au 5ème Festival international du film politique de Carcassonne. Il nous raconte sa vision et sa pratique du métier de comédien, un mot qu’il préfère à celui d’acteur. Pour lui, être comédien c’est avant tout « s’approprier un personnage pour le rendre vivant, pour lui donner une réalité même à l’intérieur de la fiction. »

Dans Tant que le soleil frappe, Swann Arlaud incarne Max, un paysagiste marseillais rêvant de créer un espace végétal pour les habitants sur un espace en friche du centre-ville. « Le film politique confronte la société à elle-même, à ce qu’elle est », soutient le comédien qui assume de s’engager dans des films à plus petit budget mais qui lui tiennent à coeur.

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Entretien avec Yann Samuell, réalisateur de "La Guerre des Lulus"
➡ https://revue.negatif.co/entretien/2022/12/12/yann-samuell-la-guerre-des-lulus/

Tourné dans la région, le dernier long-métrage en date de Yann Samuell a fait escale au Arras Film Festival pour une avant-première. La Guerre des Lulus était l'un des films phares de la section pour enfants du festival des Hauts-de-France. Le scénario adapté par le réalisateur lui-même est tiré des premiers tomes de la BD éponyme de Régis Hautière et Hardoc. Il raconte les aventures de cinq gosses (quatre garçons, une fille) traversant le  début de la Première Guerre mondiale dans le nord de la France.

Réalisateur habitué des films pour enfants à grand spectacle (La guerre des boutons en 2011), Yann Samuell a accepté ce projet sur proposition de son producteur. Dans notre critique, nous soulignions que La Guerre des Lulus n'était pas à la hauteur de ses bonnes intentions — détaillées dans cet entretien qui prend le temps de remonter le fil de la création du film. Le cinéaste y défend ses choix d'adaptation et de mise en scène. Plus encore, il met en avant la dimension politique de son film. Pour Yann Samuell, « si un film doit avoir une valeur éducative, c'est parce qu'il se permet d'être un conte magique mais aussi un conte cruel ».

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Entretien avec Alain Ughetto, réalisateur du film "Interdit aux chiens et aux italiens" ➡  https://revue.negatif.co/entretien/2022/12/01/alain-ughetto-interdit-aux-chiens-et-aux-italiens/

Après un passage remarqué au festival d’Annecy (prix du jury), Interdit aux chiens et aux Italiens a été accueilli au Arras Film Festival dans sa belle programmation jeunesse, le « festival des enfants ». Malgré cette étiquette, ce court long-métrage (1h10) d’Alain Ughetto est une oeuvre taillée pour tous les publics. Puisant dans son histoire familiale, le réalisateur marseillais raconte les aventures de ses grands parents, Luigi Ughetto et Cesira Caretti. Nés dans le Piemont, dans le nord de l’Italie, ils ont traversé les Alpes pour fuir la misère et construire une nouvelle vie pour eux et leurs enfants. Le récit suit cette cette expérience d’exil et de migration dans une première moitié de XXème siècle tourmentée.

Alain Ughetto nous raconte comment il a retrouvé la « mémoire intime » en mêlant le travail historique du sociologue Nuto Revelli [1] et les témoignages intimes de sa famille. Chef d’orchestre d’une équipe d’animateurs (« des incontournables »), le cinéaste s’émerveille de leur créativité mise au service de son récit. Comment raconter cette histoire triste, grave et douloureuse à des enfants ? Pour Alain Ughetto, Interdit aux chiens et aux Italiens est un témoignage sur ces gens invisibles, ce monde populaire dont il est issu. Hier comme aujourd’hui, « c’est la misère qui fait partir ceux qui cherchent un endroit où leurs enfants pourront vivre mieux qu’eux. »

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💥 Entretien avec Bertrand Mandico, paon-cinéaste, à propos d'"After Blue (Paradis Sale)"
➡ https://negatif.co/entretien/bertrand-mandico

🧪 Bertrand Mandico nous ouvre les portes de son laboratoire cinématographique. Envisageant les moindres aspects de son film sous toutes les coutures, le cinéaste s’implique dans son ouvrage comme un artisan, de l’écriture du scénario jusqu’aux dernières retouches de couleur en passant par le cadre, la composition de la bande sonore et bien sûr le montage. 

☢ After Blue (Paradis Sale) est un film à la croisée des genres : un western de science-fiction sur une nouvelle planète refuge de l’humanité, un terre lointaine et sauvage, dans un futur alternatif où les hommes ont disparu et où seules les femmes perdurent en petite communauté.

🎥 Bertrand Mandico en revendiquant le cinéma comme art subversif, un art à part entière à la dimension hypnotique voire comme un psychotrope, se tourne vers le spectateur et assume : « Un film est comme une rose, il doit sentir bon mais aussi avoir des épines ».

Les chapitres

00:00:00— Introduction
00:02:24 — Être paon-cinéaste : en mettre plein la vue et les oreilles
00:12:03 — « After Blue (Paradis Sale) » : cocktail de genres
00:21:57 — Le travail d'écriture / le personnage d'Elina Löwensohn
00:31:18 — À l'image, faire croire à un autre monde par les couleurs 
00:42:02 — Décoration, lumière et cadre : transfigurer le plateau
00:47:06 — La pellicule comme rite d'alchimiste 
00:59:46 — Envisager les films comme des psychotropes
01:04:10 — Un film fait pour le grand écran et la grande écoute
01:16:45 — Le travail du son par strates : économie restreinte et équilibre
01:23:30 — Musique et étalonnage : témoigner d'un état intérieur

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🎙 Entretien avec Thomas Paulot & Ferdinand Flame à propos du documentaire "Municipale"
➡ https://negatif.co/entretien/municipale

🏙 À Revin, 5836 habitants, un événement va bouleverser la vie paisible des citoyens revinois : Laurent Papot et une équipe de film débarquent dans la ville alors que la campagne pour l’hôtel de ville démarre. Nous recevons Thomas Paulot, le réalisateur de ce film et l'un des co-auteurs de ce film; Ferdinand Flamme, qui a, avec Milan Alfonsi, participé au « scénario » puis « joué », en tout cas été présents devant la caméra de Thomas Paulot dans le film. 

💬 Sur la forme, le film Municipale ressemble à s'y méprendre à un « documentaire » en cinéma direct. Pourtant, Laurent Papot, le protagoniste principal de cette histoire est un acteur de profession : il a été engagé - en sa qualité de comédien - pour se présenter à la magistrature de la ville. Sans programme, quasiment sans équipe, il est un anonyme parachuté sur le terrain sinueux d’une campagne politique municipale.

🧨 Cette aventure politique devient une véritable expérimentation formelle, testant de nouveaux territoires cinématographique. Les citoyens s'emparent du film et ce dernier devient un espace propre, tendant vers l'horizontalité tant dans la campagne réelle de Laurent Papot que dans sa restitution filmée. Une véritable utopie politique.

📅 Municipale a été présenté dans la sélection ACID Cannes 2021. Il sort en salles le 26 janvier 2021.

LES CHAPITRES
00:00:00— Introduction
00:01:47 — Comment participer à un campagne municipale... et faire un film ?
00:03:59 — Propulser un comédien au-delà du cinéma direct
00:11:27 — De la frontière floue entre documentaire et fiction
00:18:56 — Du scénario fantasmé à l'écriture du réel
00:28:24 — Construire une grammaire visuelle avec la caméra
00:39:02 — L'économie de production d'un documentaire
00:47:49 — Improvisation et « règle du jeu »
00:56:52 — Le montage entre narration et recueil de la parole

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Garage, des moteurs et des hommes est diffusé sur CanalRéel les 13 et 14 mars 2021. Il sera diffusé sur France 3 à l'été 2021.

Article complet ➡ https://negatif.co/claire-simon

➡️ https://negatif.co/patricia-mazuy

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🎥  Entretien avec l'artiste-cinéaste Jean-Charles Hue, à propos de son film « Tijuana Bible » - en salles ce mercredi 29 juillet ➡️ https://negatif.co/jean-charles hue

🔫 Après Mange tes morts et La BM du Seigneur en 2011 et 2014, deux films avec la communauté des Yéniches en France ; Jean-Charles Hue revient au Mexique, dans la ville de Tijuana — cité frontalière, au bord du désert et de l’Océan. Fin documentariste de « TJ » depuis 15 ans, le cinéaste entrelace réel et fiction, moyens professionnels et un danger bien présent.   

🎬 Tijuana Bible se déroule dans les bas-fonds de la ville où l’on suit deux personnages en quête d’un soldat américain disparu, lui aussi, à Tijuana. Entre narcotrafiquants et junkies, prostituées et déportés, gringos et white trash… Jean-Charles Hue filme le cœur de cette ville ; sa violence, sa liberté et peut-être, sa féerie.

Les chapitres

00:01:51 — Être artiste-cinéaste, comme une case vide dans la société
00:07:00 — La ville de Tijuana au Mexique : entre animalité, sacré, violence et rapport à la mort
00:16:34 — « TJ », une cour de miracles « magnifique et dur » à laquelle il faut croire
00:28:52 — Tijuana Bible : tension entre le réel et la fiction, le documentaire et les acteurs
00:38:56 —  De la survie à « TJ » par la rencontre humaine avec la caméra
00:44:57 — Petits et grands miracles d'un tournage impossible à Tijuana
00:59:51 — L'âme du film ne se crée pas par la technique
01:07:45 — Voir le cinéma au regard de l'intensité du tournage ?

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🎥  Entretien avec le monteur et écrivain Yann Dedet ➡️ https://negatif.co/yann-dedet

🎬 50 ans de carrière au poste de monteur et plus de 100 films. Yann Dedet voit dans la fonction de monteur la possibilité de « remettre en scène », comme il a eu l’occasion de le faire avec certains des plus grands réalisateurs français : citons François Truffaut, Maurice Pialat ou Philippe Garrel.

🎞 Yann Dedet se définit avant tout comme un artisan et non un artiste. Il revendique et définit son travail manuel en ces termes : « construction, structure, rythme et préservation du secret ». Un mélange entre « logique et poétique » dans sa pratique.

Les chapitres

00:01:50 — Le monteur, un « artisan à désirs artistiques » entre logique et poétique
00:04:22 — Le spectateur zéro ou la possible pensée de reprendre à zéro le film
00:16:58 — Être stagiaire en laboratoire : la magie de la pellicule
00:29:30 — Premiers pas dans le cinéma : stagiaire puis assistant monteur
00:36:53 —  Avec Truffaut, le monteur peut « remettre en scène »
00:46:49 — Le plan et le cadre, matières communes avec les directeurs photo
00:53:57 — Un goût des films marginaux pour irriguer sa pratique du montage
00:59:47 — Un chemin commun avec Garrel : du classique au moderne ?
01:08:33 — Le regret de la pellicule face au paradigme numérique

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🎥  Entretien avec le grand cinéaste d'animation Jean-François Laguionie ➡️ https://negatif.co/jean-francois-laguionie

🎬 Jean-François Laguionie défend les films d’animation comme étant du cinéma à part entière, au même titre que la fiction ou le documentaire. Récompensé d'une Palme d'or du court-métrage en 1978 pour "La Traversée de l'Atlantique à la rame", ses films les plus marquants sont "Gwen, le livre de sable", "Le Château des singes", "Le Tableau" ou encore "Louise en hiver".

🎞 Son dernier film, "Le Voyage du Prince", est un conte philosophique dans un monde de singes utilisant les dernières technologies d’animation entre 2D et 3D. Le cinéaste nous raconte le processus de création si particulier de l’animation, de son « animatique sauvage » jusqu’aux dernières retouches du son en passant par la recherche — difficile — de financement…

Les chapitres

00:02:22 — Faire du cinéma d’animation comme un navigateur imaginaire
00:07:56 — Le Voyage du Prince, récit d’une création : du croquis à l’animatique sauvage
00:22:00 — Le Voyage du Prince (2) : le travail en équipe réduite, du dessin à la musique
00:35:41 — Le Voyage du Prince (3) : de la supervision de la réalisation jusqu’aux finitions
00:44:32 —  Un parcours entre cinéphilie classique et premiers films « anti-Disneyéens »
00:55:32 — Du court au long-métrage : expérimentations formelles, solitaires plus collectives
01:09:23 — La question du cadre et de la lumière en animation
01:15:40 — Bruitage, musique et son : la place du réel en animation

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🎧 Entretien inédit avec l'acteur Denis Lavant, à propos de Beckett et du théâtre... ➡️ https://negatif.co/denis-lavant

🎭 Alors que les théâtres sont fermés et que Festival d'Avignon 2020 n'aura pas lieu, replongeons nous dans le dernier grand rôle de Denis Lavant au théâtre, dans la pièce« La dernière bande » de Samuel Beckett, mise en scène par Jacques Osinski à Avignon l'été dernier.

💬 Acteur saltimbanque, Denis Lavant interprète Krapp, d’un vieux monsieur qui réécoute sa voix parlant de son passé, enregistrée et rangée dans une boîte qu’il sort à chaque anniversaire... Comment interpréter ce personnage ? Qu'est-ce que le théâtre de Beckett ? Que représente un festival de théâtre pour un comédien ?

Retranscription écrite ➡️ https://negatif.co/denis-lavant

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🎥  Entretien avec l'écrivain, chanteur, poète, cinéaste F.J. Ossang, figure unique du cinéma français, « existentiellement punk » ➡️ https://negatif.co/fj-ossang

🎬 CINÉMA — Des films avant-gardistes, portés par l'idée de liberté, entre l’insurrection, la science-fiction, le film noir et l’aventure. Des films en noir et blanc, parfois en couleur, mais toujours en pellicule argentique : "L'Affaire des Divisions Morituri" , "Le Trésor des Îles Chiennes", "Docteur Chance", "Dharma Guns", "9 Doigts" — dont F.J. Ossang a écrit seul tous les scénarios.

🎶 MUSIQUE — Membre fondateur des groupes De la Destruction Pure et MKB (Messageros Killers Boys), il a écrit pour eux des textes et chanté, puis utilisé la musique dans ses films. Qu’est-ce que le punk pour lui ? La liberté, le danger, la poésie. Pour F.J. Ossang être punk est un acte insurrectionnel.

📖 LITTÉRATURE — La poésie d'abord, qu'il a commencé à écrire jeune, puis des journaux, romains, pamphlets, manifestes, essais... Nous discutons de son recueil de poèmes "Venezia Central" — dont il nous lit un extrait — et de son texte "Mercure Insolent" questionnant le medium cinématographique....

💬 Les chapitres
00:03:09 — Être  « irrégulier professionnel » : en courant alternatif  entre écriture, musique et cinéma
00:05:24 — 9 doigts, genèse d'un film noir, film d'aventure, film gothique à la « densité magnétique »
00:12:56 — Une aventure de tournage où il a fallu « varier l'attaque du monde par les acteurs »
00:22:00 — Le cinéma entre acte de cadrer un plan et recherche de la lumière
00:34:27 — Le montage comme « grand épreuve » pour revisiter le film...
00:46:13 — Itinéraire d'un cinéaste : les débuts à l'IDHEC « no future »
00:54:01—  La poésie comme « découvertes de mondes »
01:04:20 — MKB : la musique entre le punk anglais et la Fraction Armée Rouge
01:22:51 — « Utilisez la jeunesse avec le plus d'intensité »

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🎥  Entretien avec la monteuse de films Juliette Welfling ➡️ https://negatif.co/juliette-welfling

🎬 5 César du meilleur montage et 1 Palme d'Or : Juliette Welfling est l'une des monteuses les plus talentueuses de sa génération. Fidèle collaboratrice du réalisateur français Jacques Audiard, elle a notamment monté avec lui "Dheepan", "Un prophète" et "Les Frères Sisters". Pour elle dans le montage tout est possible : « Il faut être libre ».

🎞 Elle a travaillé avec d’autres grands réalisateurs de plusieurs nationalités : les français Eric Lartigau, Albert Dupontel et Michel Gondry ("La Sciences des rêves" en 2006) ; le chinois Lou Ye ("Love and Bruises") en 2011 ;  l’iranien Asghar Farhadi ("Le Passé" en 2014) ou encore les américains Julian Schnabel ("Le Scaphandre et le Papillon" en 2007) et Gary Ross ("Hunger Games" en 2012 et "Ocean’s 8" en 2018)

💬 Les chapitres
00:02:11 — Être monteuse c’est avant tout conseiller sur la façon de raconter le mieux possible l’histoire
00:04:27 — Les Frères Sisters, récit de la fabrication du film du point de vue de la monteuse
00:16:34 — Un travail collectif avec un assistant-monteur, la scripte, le monteur son et le mixeur son
00:28:09 — Le choix de la musique et les relations avec le compositeur de la bande-originale
00:37:09 — « Devenir monteuse en faisant » : un apprentissage au moment de la transition argentique/pellicule
00:50:16 — La rencontre et la collaboration avec Jacques Audiard : « Dépasser le scénario »
01:00:01 — Le travail à Hollywood avec Gary Ross : l’exemple d’Hunger Games
01:14:18 — Dans le montage tout est possible : « Il faut être libre »

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🎥  Exploration du cinéma politique et maoïste de Jean-Luc Godard entre 1967 et 1975 avec David Faroult, enseignant-chercheur et auteur du livre « Godard, inventions d’un cinéma politique » https://negatif.co/entretien/juan-branco/  ➡️ https://negatif.co/david-faroult

🎬 Un livre consacré avant tout aux films, autant de tentatives au sein de « laboratoires d’un cinéma politique révolutionnaire ». De nombreux films parmi lesquels "Week-end", "La Chinoise," "Tout va bien", "One+One", "Vent d’Est", "Luttes en Italie", "Pravda". ou encore les films-tracts. Réalisés le plus souvent pour la télévision et avec Jean-Pierre Gorin au sein du groupe Dziga Vertov, ils ont été peu vus et pourtant ils permettent de mieux comprendre tout ce que fera Godard jusqu’à aujourd’hui — autrement dit la majorité de sa filmographie.

💬 Les chapitres
00:02:14 — Comment travailler sur les films en tant qu’enseignant-chercheur en cinéma ?
00:05:56 — Travailler sur la période maoïste de Jean-Luc Godard : d’une approche intérieure à une approche historicisée
00:15:33 — L’année 1967 : vers un cinéma politique ? La Chinoise, Week-end et Loin du Vietnam
00:26:43 — L’implication de Godard dans les événements de mai 68
00:33:15 —  One+One, film sur la création et la destruction, la musique et la politique…
00:44:36 — Godard+Gorin : la genèse du groupe Dziga Vertov
00:52:27 — Vent d’Est, manifeste et programme de travail pour le groupe Dziga Vertov ?
01:02:00 — Tout va bien ou le cinéma pour analyser les contradictions de la petite bourgeoisie
01:11:01 — Ici et ailleurs, un film autocritique & la fin du groupe Dziga Vertov
01:22:59 — Étudier la période maoïste pour mieux comprendre les films de JLG aujourd’hui

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Article complet ➡ https://negatif.co/mathias-thery

🎥 🌈 Entretien filmé (!) avec l'opérateur et monteur de Jean-Luc Godard depuis quinze ans ; et réalisateur d'avant-garde Fabrice Aragno ➡️ https://negatif.co/fabrice-aragno

EN VIDÉO 📹 https://youtu.be/Pyes4p8mlKU

🎬 En octobre dernier au théâtre Nanterre-Amandiers : "Le Livre d’image" de Jean-Luc Godard est « accueilli » pour la première fois en France dans un dispositif inédit, supervisé par Nicole Brenez, Philippe Quesne et Fabrice Aragno. Il revient avec nous sur ce "parcours Livre d’image" et les coulisses de la fabrication du film, "Palme d'Or Spéciale" à Cannes en 2018.

📖 "Le Livre d'image" sera projeté à la La Cinémathèque française le 1er mars 2020 dans la rétrospective Godard — et peut-être en sa présence... À cette occasion, NÉGATIF consacre une série trois grands entretiens à trois périodes de la vie de JLG.

🎞 « Les mots on s’y accroche et il n’y a plus d’image ». Pour Fabrice Aragno, le cinéma est justement le moyen de s’exprimer autrement que par les mots : le langage passe aussi par les mains. Au début des années 2000 il rencontre Jean-Luc Godard. Avec lui il travaille sur "Film Socialisme" puis "Adieu au Langage". Entre expérimentations formelles et renouvellement du langage cinématographique, nous avons discuté du pouvoir du cinéma, de sa mort et de son avenir...

💬 Les chapitres
00:02:00 — Le cinéma comme moyen d'expression par les mains
00:06:32 — « Ce n'est pas ce qui est à l'image qui est intéresse, c'est ce qu'on y projette »
00:12:00 — Le parcours Livre d'image au théâtre des Amandiers : faire exister le film autrement
00:19:36 — La projection algorithmique de Suite Lacustre, machine cybernético-cinématographique
00:24:23 — La création du Livre d'image de JLG : dispositif 7.1, Cannes et les théâtres
00:39:59 — Contre les fétiches : une rencontre humaine avec Jean-Luc Godard
00:53:18—  Un travail à plusieurs mains pour fabriquer Le Livre d'image
01:02:55 — Questions techniques et politiques : caméras numériques, pixels et remakes de Daesh
01:16:84 — La vie d'un réalisateur-producteur : filmer au quotidien et trouver de l'argent
01:35:02 — « Pose toi pas trop de questions »

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Article complet ➡ https://negatif.co/entre…/sergei-loznitsa-funerailles-d-etat

Nous avons discuté du détournement de la propagande par le remontage d'images, de la restauration d'archives pour faire croire qu'elles pourrait être contemporaines possibilités de montage sonore numérique dans le documentaire d'archives ou encore de la manière de comprendre un système totalitaire, hier comme aujourd'hui.

Entretien réalisé à l'occasion de la rétrospective Sergei Loznitsa au Centre Pompidou du 8 janvier au 8 mars 2020 ➡ https://www.centrepompidou.fr/cpv/agenda/event.action…

🎥🎈🎉 Entretien avec Marie Losier, créatrice sans label & compositrice de films !  Avec sa caméra 16mm elle réalise des portraits originaux et vivants, oniriques et organiques, résolument avant-gardistes ➡️ https://negatif.co/marie-losier

🎬 Son cinéma a débuté à New York, aux Etats-Unis, au début des années 2000. Là-bas, puis au Portugal ou au Mexique elle a réalisé des portraits filmés d’artistes : musiciens, plasticiens, dramaturges, catcheurs et bien sûr des cinéastes. Les frères Kuchar, le couple Genesis et Lady Jaye, Peaches, Alan Vega, Chong Gan Byun, Guy Maddin, Richard Foreman, les soeurs Moreno, Cassandro ou encore Felix Kubin...

🎞 Marie Losier derrière sa caméra Bolex, et eux devant : un style unique, entre documentaire et expérimental ; un univers libre, drôle, viscéral, joyeux, flamboyant, coloré, artisanal, fruit de l’underground dont nous avons essayé de percer les ressorts avec elle.

💬 Les chapitres
00:02:33 — Trouver une liberté à travers le désir de créer et la lumière à la rencontre des autres
00:09:28 — Felix in Wonderland, portrait d'un compositeur de musique électronique
00:24:38 — Composer un film comme on compose de la musique : rythme, montage et orchestration
00:31:49 — Le cinéma expérimental, une éthique de vie apprise avec Jonas Mekas à New-York
00:39:51 — Un parcours guidé par la cinéphilie de Paris à New-York
00:47:42 — Du théâtre expérimental de Richard Foreman à la programmation pour l'Alliance Française de NY
01:04:12 — Le retour en Europe : vivre de son travail et rester au contact des gens
01:14:09 — De l'argentique au numérique : la perte de la magie de la projection ?

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🎥 Entretien avec Cyrille Hubert, assistant opérateur. Technicien et "petite main" des tournages, il est au cœur de la performance des plans ➡️ https://negatif.co/cyrille-hubert

🎞 Assistant opérateur, un métier dans l'ombre du directeur de la photographie, dont il est le bras droit, et qui le conduit à être une des chevilles ouvrières au cœur du tournage. Diplômé de l'ENS Louis-Lumière en 2013, Cyrille Hubert a travaillé avec de nombreux jeunes chefs opérateurs sortis d'école au début de la décennie : Émilie Noblet, Noé Bach, Paul Guilhaume ou encore Jonathan Ricquebourg.

🎬 Il a travaillé sur certains des (premiers) films français remarqués en festivals : "Jeune femme" de Léonor Seraille — Caméra d'Or à Cannes en 2017, "Ava" de Léa Mysius, "Mange tes morts" de Jean-Charles Hue, "Les Enfants d'Isadora" de Damien Manivel, "Gorge Cœur Ventre" de Maud Alpi, "Les héros ne meurent jamais" d'Aude-Léa Rapin, "L'Angle Mort" de Patrick Mario Bernard et Pierre Trevidic ou plus récemment deux épisodes du "Bureau des Légendes" réalisés par Jacques Audiard !  

💬 Les chapitres
00:01:05 — Au cœur du tournage, le rôle clé du premier assistant caméra
00:05:02 — La préparation et le tournage du film L'Angle Mort avec le directeur photo Jonathan Ricquebourg
00:15:44 — Se former, choisir et tester le matériel caméra
00:22:26 — Praxis de la mise au point par l'opérateur caméra
00:37:18 — Un parcours classique à l'école Louis-Lumière... au moment de la révolution numérique
00:50:53 — « Faire sa génération de cinéma » et le cercle vertueux de l'intermittence
00:59:29 — La relation fidèle et complice avec le jeune chef opérateur Paul Guilhaume
01:10:08 — Au premier plan du tournage, être fasciné par les actrices et les acteurs

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👨🏻‍🤝‍👨🏻 Entretien avec les Frères Quay pour qui le cinéma est un monde enchanté dont ils sont les magiciens ou les sorciers. Cherchant l'émerveillement avec l'animation de marionnettes et leur univers musical, ils nous racontent leur parcours artistique fait d'expérimentations ➡️ https://negatif.co/quay-brothers

🎬 Maîtres de l'animation en stop-motion de marionnettes depuis les années 1970, les Frères Quay se définissent comme des artisans et de modestes conteurs. Travaillant sans relâche dans leur studio de cinéma à Londres — un laboratoire expérimental selon eux — ils ont réalisé une trentaine de courts-métrages d'animation et deux long-métrages avec des acteurs de chair humaine. Un cinéma avant-gardiste, résolument artisanal, ayant créé un modèle économique original afin de défendre sa cohérence depuis leurs débuts.

🔍 Les chapitres
00:02:27 — Un duo de cinéastes travaillant dans un studio artisanal, laboratoire d'expérimentations 
00:07:52 — Institute Benjamenta, premier long-métrage et conte de fée avec des acteurs réels
00:11:52 — La musique comme condition première du processus de création
00:15:56 — La caméra comme marionnette à manipuler et le travail collectif du long-métrage
00:25:39 — Un parcours de cinéphiles dans les années 50 puis d'écoles d'art entre Philadelphie et Londres
00:44:26 — Les commandes de publicités, travail créatif sous contrainte
00:50:55 — Les collaborations avec des musiciens sur des clips
00:59:21 — Continuer à créer en réinvestissant la pellicule

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🎥✊🏻 Entretien avec l'avocat, journaliste et penseur Juan Branco autour de la question : Les images peuvent-elles encore être révolutionnaires ?  ➡️ https://negatif.co/juan-branco

🎬 Nous dérivons de notre format habituel consacré aux créateurs pour une nouvelle série d’entretiens avec des explorateurs et penseurs de l’image et du son. Juan Branco se définit avant tout comme un penseur qui intervient dans l'espace public afin d'aider à l'émancipation des tutelles politiques, sociales et intellectuelles. Connu pour ses essais politiques contre Emmanuel Macron et sou soutien à Wikileaks ainsi qu'aux Gilets Jaunes, il est aussi l'un de ceux qui réfléchissent aux images dans le monde contemporain.

🔍 Les chapitres
00:02:44 — L'élaboration d'une pensée émancipatrice et le rapport d'esthétisation au monde
00:04:22 — Le film Joker, ode aux luttes insurrectionnelles et renversement symbolique au cœur d'Hollywood
00:08:57 — Joker et la mise à mort de la société du spectacle et un nouveau rapport à l'image, au cinéma et au politique
00:24:35 — Les révoltes actuelles dans le monde et la puissance transformatrice du cinéma en question
00:33:16 —  Les Gilets Jaunes ont eu des monteurs-auteurs de films militants créant un angle et une pensée
00:46:56 — Les images létales : des films de vacances de Daesh aux live Facebook de terroristes d'extrême-droite
00:56:18 — De l'incapacité à comprendre le mouvement des Gilets Jaunes...et à le filmer ?
01:11:19 — Peut-on encore faire des images révolutionnaires ?

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