Weirdo. Un podcast sui film strani

Oggi vi parlo si un film non molto recente, ma non per questo meno interessante. Infatti oggi vi parlo di Essere John Malkovich di Spike Jonze. Esatto Spike Jonze è il regista di un altro film cult che è Her. E pensate, questo è il suo film d’esordio. Ma non solo, qui si affianca a una personalità gigante dei film weird, anche lui qui al suo esordio: Charlie Kaufman che qui è “solo” la mente dietro alla sceneggiatura, che gli valse il BAFTA, il Saturn Award, l’Indipendet Spirit  di quell’anno.

Oggi vi parlo di Everything everywhere all at once, dei Daniels. Un film che arriverà in Italia da ottobre, ma che sta già facendo tanto parlare di sè, dal momento che in USA sta avendo un grande successo. è una commedia weird, ma non solo, è anche un film che parla di filosofia buddista e di famiglia.

Ne volete sapere di più? premete play!

Oggi vi parlo di Lamb, film del 2021 di Valdimar Jóhannsson.

Lamb non è solo la storia di uno strano agnello, ma anche di archetipi e di leggende. Di terre e di tradizioni. Di natura e sfruttamento. Di maternità e del suo vero significiato.

Davvero tante sono le tematiche di Lamb, che cercherò di spiegarvi in questa puntata. Non perdetela!

È il momento del filmone, è il momento dello spiegone. È il momento di Inception di Christopher Nolan.

Buon ascolto!

Oggi vi parlo di Il Potere del Cane, film di Jane Campion del 2021.

Voglio parlare di questo film perché non è stato molto capito, purtroppo. Io invece lo reputo un vero e proprio capolavoro.

Il Potere del Cane ci parla di machismo e maschilismo tossico, di repressione e di delusioni, di vendetta e di pazienza.

La stessa pazienza che si deve avere a guardare il film. La stessa pazienza che ha Peter per mettere in atto la sua vendetta. È un film che possiamo definire “vecchio stile”, ma d’altronde il cinema è anche questo: mettere da parte tutta la fretta e la velocità delle nostre esistenze, mettere da parte social e cellulari e farsi trasportare appieno dalla regia perfetta e magnifica della Campion mentre ci racconta una storia piena di piccoli particolari che ci serviranno per capire il finale del film. Di certo un film dove lo spettatore deve essere attivo, presente, pronto a scovare ogni indizio.

Sto pensando di finirla qui è un film di Charlie Kaufman, una produzione Netflix del 2020 tratta dal romanzo omonimo di Iain Reid.

Ciò che Kaufman fa qui, nel suo modo perfetto e unico, è parlare di salute mentale e di suicidio. E non lo fa in maniera retorica e patetica e vittimista, ma lo fa entrando all’interno della mentedi chi decide di realizzare quest’ultimo atto, questa scelta, questa decisione definitiva.

È inoltre un film sull’immaginazione e sui mondi che possono esistere nella nostra mente.

Oggi vi parlo di Sir Gawain e il Cavaliere Verde, film del 2021 di David Lowery.

Sir Gawain e il Cavaliere Verde è in origine un poema del XIV secolo. Gawain è il figlio di Morgana e nipote di Re Artù, che ha al suo fianco la sua regina Ginevra e il suo consigliere Merlino.

Da sempre Gawain vuole sedere alla tavola rotonda, ma non trova mai un modo per provare il suo valore. Mentre festeggia il Natale a corte, la festa viene interrotta dall’arrivo del Cavaliere Verde, che sfida i cavalieri a giocare al gioco della decapitazione: un pavido guerriero deve brandire una spada e tagliare la testa al Cavaliere Verde per provare il suo coraggio, ma un anno dopo il guerriero dovrà andare a cercare il Cavaliere Verde nella Cappella Verde ed avere la stessa morte. Gaiwan che da sempre attende un’occasione per provare il suo valore, non perde tempo e sferra il colpo.

Il viaggio di Gawain diventa quindi un viaggio per imparare a morire.

madre! È un film di Darren Aronofsky del 2017. 

È sicuramente un film di difficilissima comprensione, ma allo stesso modo un film di cui si parla sempre: infatti è dal 2017 che è sulla bocca di tutti e tutti danno la propria interpretazione e visione.

Il film è un’allegoria su Dio e la Terra. Lui, il poeta, è Dio, e Lei, la madre, è Madre Terra. La casa rappresenta invece l’ambiente. La storia è anche un’allegoria biblica, di Nuovo e Vecchio testamento così come una visione misantropa della storia umana.

Oggi vi parlo di Crash, film del 1996 di David Cronenberg.

Ho voluto mettere Crash subito dopo Titane perchè vedo molti aspetti similiin tutti e due i film. Una similitudine che va ben oltre al puro feticismo delle macchine, nonostante la Ducournau sostenga che Crash sia stata solo un’influenza inconscia. Quindi diciamo che l’episodio 21 e l'episodio 22 del podcast si possono considerare un dittico.

Il film è tratto dal romanzo omonimo del 1973 di James Ballard, libro che l’autore riassume in una dichiarazione: “Volevo farvi strisciare la faccia nel vostro stesso vomito”.

Con Crash, Cronenberg teorizza la nascita di una nuova carne, capace di interagire con le macchine e la tecnologia. Tematica cara a Cronenberg è proprio la contaminazione tra uomo e macchina: le automobili nel film si urtano, si ammaccano, così come i corpi dei protagonisti. L'urto è  il solo modo per comunicare. I personaggi sono così alla ricerca continua di questa iterazione che ha il suo punto massimo nell’amplesso.

Oggi vi parlo di Titane di Julia Ducournau, Palma d'Oro a Cannes 2021.

è un film sul corpo Titane, un corpo diviene deforme e ibrido, senza distinzione di genere e di sesso, una nuova tipologia di corpo e di umano. Un nuovo tipo di mondo.

Un mondo che deve essere l’equivalente di quello dei Titani dopo che Urano e Gea si accoppiarono nel mito. è da qui che esce fuori il titolo, Titane, non solo il materiale di cui la calotta cranica di Alexia è fatta, ma anche gli antichi dei del mito greco. L’idea di base è la creazione di una nuova umanità che è forte perchè mostruosa. Una mostruosità che per la Ducournau è sempre una cosa positiva e che le serve per sfatare tutta la normalizzazione della società e della vita. L’accoppiamento con la macchina rende così Alexia una creatura emancipata, perchè mostruosa. 

Una puntata speciale per riprendere Weirdo dopo questi mesi di pausa estiva. Una puntata speciale più lunga e dedicata non a un film, ma a una serie tv. E quale serie è più weird se non Twin Peaks?

David Lynch e Mark Frost per realizzare Twin Peaks, decidono di mettere insieme i due generi più popolari della tv: la soap opera e il poliziesco, creando qualcosa di nuovo ed esclusivo con l'aggiunta della firma di Lynch: atmosfere inquietanti e surreali che spiazzano lo spettatore e lo fanno letteralmente scervellare. Il ritratto di una piccola cittadina isolata diventa una vera a propria analisi del subconscio umano. Lynch adotta schemi tradizionali di regia, quasi come dei clichè, deducendoli dai generi cui fa riferimento ma realizzando un prodotto di estrema modernità, grazie anche alla fotografia, alle scenografie e - ovviamente - alla musica.

The Lighthouse è un film del 2019 di Robert Eggers. È da sempre risultato un film di difficile interpretazione colmo di rimandi e citazioni mitologiche, artistiche e filosofiche, che si conclude in un finale criptico e senza spiegazione. La storia si basa su un evento tragico realmente accaduto nel 1801, noto come “The Smalls Lighthouse Tragedy”. Altre influenze per il film di Eggers sono stati i classici della letteratura marinara degli autori Herman Melville, Robert Louis Stevenson e le storie horror e soprannaturali di HP Lovecraft e Algernon Blackwood e i miti greci. The Lighthouse è un racconto di corpi e di identità che vengono sciacciate e trattenute, isolate e sfogate all’interno di un faro che ha per compagnia solo il rumore del mare. Un racconto di follia e visioni, di dei e sirene, di inconscio e subconscio in un bianco e nero drammatico.

20 anni fa, Mulholland Drive veniva presentato al Festival di Cannes e David Lynch per questo film vinse la Palma come miglior regista. Proprio quest’anno Mulholland Drive è tornato a Cannes in una versione restaurata, realizzata da Studio Canal e The Criterion Collection e validata dallo stesso Lynch. Il film è stato proiettato in questi giorni, durante la retrospettiva Cannes Classic. Dopo il festival, Mulholland Drive tornerà nelle sale in questa nuova versione. Con tutte queste celebrazioni non potevo esimermi dal parlarne.

Mulholland Drive è un film del 2001, diretto da David Lynch. È un film diviso in due parti, che possiamo riassumere, velocemente, in questo modo: i primi due terzi del film sono un sogno di Betty Elms. Il ruolo di Betty/Diane è il migliore di Naomi Watts. Betty Elms è l’incarnazione della giovane ingenua di Hollywood. Nel sogno Betty cerca di aiutare Rita, una donna colpita da amnesia, a scoprire la sua vera identità. L’ultimo pezzo del film è la realtà, in cui Betty diviene una tossicodipendente fallita e destinata al suicidio chiamata Diane Selwyn, mentre Rita diventa Camilla Rhodes, la sua perfida amante. Ma è davvero così?

Ecco il sito di cui vi parlo nel corso della puntata: https://www.mulholland-drive.net/studies/10clues.htm

Mandibules è un film del 2020 di Quentin Dupieux. È stato prensentato alla 77° Mostra del cinema di Venezia ed è uscito nei cinema italiani il 17 giugno 2021. Quentin Dupiex è famoso per le sue commedie assurde e senza senso e anche Mandibules non ne è da meno. È la storia di una mosca gigante che finisce in mano a degli scemo e più scemo alla francese. Una weird comedy leggera e piacevole come un pomeriggio d’estate

Magnolia è un film del 1999 di Paul Thomas Anderson. Magnolia racconta le storie intrecciate di una serie di personaggi che vivono a Los Angeles, per lo più incentrate sul lutto, sulla sofferenza, sulla malattia, sulle frustrazioni. Ma sappiamo tutti perchè siete qui e qual è il vero momento in cui il film diventa weird: il finale con la pioggia di rane. Anche se sembra apparire dal nulla alla fine di un film già di per sè complicato e intricato, in realtà non è così. La pioggia di rane è importantissima perchè è il famoso fil rouge che tiene insieme tutto il film. Per saperne di più cliccate qui!

Paura e delirio a Las Vegas è un film del 1998 di Terry Gilliam. Il film è tratto da un articolo dello scrittore americano Hunter S. Thompson pubblicato nel 1971 sulla rivista Rolling Stone. Paura e delirio a Las Vegas è un'esperienza sensoriale, un viaggio allucinogeno nel deserto che diventa la dimensione liminare della società americana, dove il sogno americano è ormai distrutto dalle bombe del Vietnam. Anche la droga cambia: non è più un vettore di cambiamento, ma un diversivo alla noia borghese.

Fino all'ultimo respiro è un film del 1960 di Jean Luc Godard. Il film è il suo esordio alla regia e gli valse l'Orso d'Argento. La base è un racconto apparentemente semplice ma sul quale Godard installa una regia che sovverte la tradizionale grammatica cinematografica per mezzo di raccordi intenzionalmente sbagliati, tagli improvvisi e focalizzando lo sguardo della macchina da presa sui personaggi; creando così un nuovo modo di fare cinema.

Una donna promettente (Promising Young Woman) è un film di Emerald Fennell del 2020. E' canditato a 5 premi Oscar tra cui Miglior Film, Miglior Regia e Migliore Attrice Protagonista. Il film ha la forza e il coraggio di parlare di come vivono il mondo le donne: sempre attente e guardinghe a chi gli sta accanto, ma allo stesso tempo coraggiose, forti e piene di vita. Questo film è un vero gioiellino: con l'esordio alla regia, per me da Oscar, di Emerald Fennell, con una Carey Mulligan nel suo “ruolo della vita”, con uno script pazzesco e una fotografia curatissima. Un film necessario in un anno in cui le donne hanno bisogno di rialzarsi e far sentire la loro voce.  

Diamanti Grezzi è un film del 2019 scritto e diretto dai fratelli Safdie, che si sono ispirati dalle storie che il loro padre gli raccontava. Il padre lavorò per un periodo nel famoso Diamond District di Manhattan, dove il film è ambientato. Diamanti Grezzi è un film che sprigiona un’energia arcana, fin dalla scena iniziale, con il sangue che cola dalla ferita di un minatore etiope e scende nella terra, percorre le miniere e riemerge nel retto di Howard durante una colonscopia. Ma nel mezzo ci sono le parole. La prima cosa che ci assale appena facciamo partire il film sono proprio le parole, persino durante i titoli di testa. È un film senza tregua e senza sosta, che lascia lo spettatore senza fiato. 

Swiss Army Man è un film del 2016 dei registi Daniel Kwan e Daniel Scheinert, firmatisi per l'occasione con lo pseudonimo Daniels. Hank è un vivo che cerca la morte e Manny è un morto che cerca la vita. Il film si rivela man mano che i minuti passano, una profonda riflessione sul senso della vita e dell'esistenza, messo in scena in maniera originalissima tramite gag e citazionismi. Un film sulla vita raccontata da due protagonisti che quella vita se la stavano per lasciare alle spalle. Un inno alle piccole cose come la cacca, i popcorn, i viaggi in bus con la musica nelle auricolari mentre il mondo scorre dal finestrino e soprattutto a Jurassic Park.

Eternal Sunshine Of The Spotless Mind è un film di Michel Gondry del 2004. Il tema principale del film ci chiede: è meglio dimenticare errori ed eventi sgradevoli avvenuti in passato, oppure mantenere vivo il ricordo di ciò che è stato? Il regista Michel Gondry ha raccontato che a ispirargli la trama è stato un suo amico, l'artista Pierre Bismuth. Un giorno gli ha detto: "Immagina di ricevere una lettera per posta che dice: 'Qualcuno che conosci ti ha appena cancellato dalla sua memoria'". Con la cancellazione vengono rimossi i momenti brutti e dolorosi, certo, ma anche quelli felici e sereni. E' come se Kaufmann e Gondry ci volessero dire che per dimenticare il brutto, dobbiamo anche sacrificare il bello delle nostre vite e che allo stesso modo anche il brutto e il dolore fanno parte di noi stessi.

Solaris è un film del 1972 di Andrej Tarkovskij. Denso di elementi simbolici, soluzioni visive e sonore, il film è il racconto di un viaggio dentro la coscienza. Tarkovskij in questo film piega il genere fantascientifico alla tematica della sua ricerca cinematografica, volta alla riflessione esistenziale sull’uomo e al cogliere ed esprimere il mistero che si cela dietro alle cose del mondo.

Enemy è un film del 2013 di Denis Villeneuve. Il film è tratto dal romanzo "L’uomo duplicato" di José Saramago del 2002, che è stato a sua volta tratto dall'"Anfitrione" di Plauto. Lo stesso Villeneuve descrive il film come 'l'esplorazione dell'intimità maschile', dicendoci inoltre 'È una storia molto semplice: è un uomo che decide di lasciare l'amante e tornare dalla moglie incinta. E noi vediamo la storia dal punto di vista del suo subconscio'. Andiamo quindi a scoprire insieme il film più intimo e intricato della filmografia del regista.

Brazil è un film del 1985 di Terry Gilliam. Gilliam odia le istituzioni e la burocrazia che gli causano infiniti problemi con ogni nuovo film. In questa pellicola decide quindi di prendere di mira il suo nemico principale, per arrivare a mettere in scena la parodia  di un mondo che non riesce ad accettare. Il romanzo di George Orwell, 1984, è la base di partenza del film, la pellicola però sarà molto più che una semplice trasposizione del romanzo.

Il Pasto Nudo è un film del 1991 di David Cronenberg. Il film è tratto dal romanzo omonimo di William S. Burroughs del 1959 e anche dalle circostante reali in cui il libro venne scritto. Lo scrittore ci regala nel romanzo un'analisi sulla tossicodipendenza, lucida e disincantata. Censurato per anni e protagonista di molti processi per oscenità, il libro risulta privo di trama e quasi impossibile da portare sullo schermo. Decidendo di provare l'impresa nel 1991, Cronenberg opera una scelta radicale ed estrema.

Melancholia è un film del 2011 di Lars Von Trier. Il film fa parte, insieme ad Antichrist e ai due capitoli di Nynphomaniac, di quella che viene definita la Trilogia della Depressione. In tutte e tre le pellicole le protagoniste femminili attraversano una fase di forte crisi esistenziale che scaturisce da fobie, depressione e negazione del piacere. Fasi che vengono sempre accompagnate da fenomeni paranormali che mettono in dubbio la fede e le certezze degli uomini. è anche un modo di far terapia per il regista, dal momento che riesce a mettere sullo schermo tutti i suoi demoni. ll disturbo più sentito dal regista è la malinconia, una forma di disturbo depressivo che porta ad agire con molta calma in situazioni di forte stress. Questa reazione è dovuta all'accettazione del peggio, a un forte pessimismo che porta ad aspettare sempre lo scenario più drammatico in qualsiasi situazione, perchè ci si aspettano già che gli avvenimenti siano spiacevoli. Questo disturbo porta Lars Von Trier alla scrittura e direzione di Melancholia .

Il Sacrificio del Cervo Sacro è un film del 2017 di Yorgos Lanthimos. Il film si svolge negli Stati Uniti, in un quartiere residenziale di una città dell'Ohio. Qui vive la famiglia benestante dei Murphy, formata da due affermati professionisti in campo medico, il chirurgo cardiotoracico Steven interpretato da Colin Farrel e l'oftalmologa Anna interpretata da Nicole Kidman e dai loro due figli adolescenti, Kim e Bob. La loro vita sembra perfetta: piena di agi, ricca di soddisfazioni, all'insegna del successo. Il corso delle loro esistenze cambia direzione quando Steven prende sotto la sua ala protettiva Martin, un ragazzo di sedici anni rimasto orfano di padre. La responsabilità della dipartita dell'uomo è da attribuire a proprio a Steven che ha operato il padre alticcio. Per espiare le proprie colpe decide così di seguire Martin introducendolo in famiglia. Tuttavia, dopo una serie di eventi che destabilizzano pesantemente i Murphy, il medico capisce che è necessario compiere un sacrificio per riportare l'ordine e l'equilibrio. I film "alla Lanthimos" sono caratterizzati da limpide geometrie, sguardo cinico sulla società in cui viviamo e un realismo paradossale a tratti surreale.

2001: Odissea nello spazio è un film di Stanley Kubrick del 1968. è un film difficile da definire, di certo di fantascienza, ma non solo. è un film difficile anche da capire perchè esige un diverso rapporto con lo spettatore: richiede la visione come esperienza e come atto determinante. Il film racconta una storia, ma in un modo del tutto diverso rispetto al solito, con tempi dilatati e spazi inconsueti. La pellicola ha un ruolo di svolta per la storia del cinema, per la sua innovazione nel linguaggio cinematografico e della cultura filosofica. Il pregio del film è inoltre di coniugare il nuovo con il passato, come si evince subito dall'utilizzo della sinfonia di Strauss per far danzare le astronavi. Ciò porta il regista a sostenere che non esistano innovazioni che non siano dei recuperi e che non esiste un viaggio verso l'ignoto che non sia anche un ritorno alle origini.

Donnie Darko è un film del 2001 scritto e diretto da Richard Kelly. Donnie è un adolescente che sopravvive a un disastro aereo. Il motore di un aereo cade sulla sua stanza, ma fortunatamente nel momento dell'incidente, Donnie, a causa del sonnambulismo, si trovava fuori casa. Donnie soffre di schizofrenia e la sua famiglia è abituata al suo andirivieni. Una notte a Donnie appare Frank, un coniglio gigante, che gli dice che il mondo finirà tra 28 giorni, 6 ore, 42 minuti e 12 secondi. Questa è la durata della dimensione tangente in cui vivrà Donnie, dal momento che è sopravvissuto alla sua morte. Durante questo tempo Frank gli farà compiere delle azioni vandaliche che permetteranno di scoprire il marcio della ridente cittadina di Middlesex. Di certo un ormai un film cult, Donnie Darko da sempre è famoso per la sua complessità e la sua trama criptica, che in questa puntata del podcast cerco di spiegarvi 

8 e Mezzo è un film del 1963 di Federico Fellini. è di così difficile lettura perchè è un film personale: se non conosciamo la storia e la vita di Fellini, diventa difficile capire cosa ci vuole dire il regista con questo film. 8 e Mezzo è il film della crisi. C'è da ricordare che la pellicola esce subito dopo il successo planetario de La Dolce Vita che porta invidia e pettegolezzi tra amici e colleghi del regista. Ciò esaspera Fellini talmente che si ritrova senza più idee. Dopo un breve soggiorno a Chianciano Terme, Fellini ha l'ispirazione per il suo film: un uomo qualsiasi, immerso nella merda dei quarantanni, interrompe il ritmo della propria esistenza con una cura termale, immerso in un limbo ripensa ai fatti suoi, si confronta con altri, riceve visite di amici e amanti. Ciò viene messo in scena da Fellini con completa libertà creativa e di sperimentazione, regalandoci uno dei capolavori della storia del cinema.

Film del 1977, Eraserhead è il primo lungometraggio di David Lynch ed è uno dei film più criptici e strani della storia del cinema. Dal trauma di diventare padre ai primi segni del suo inconfondibile stile registico, Lynch con questo film ci regala uno dei capolavori della storia del cinema. In questo primo episodio del podcast ve lo racconto.

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