Une Page À La Fois

Faire des pauses, dans le livre comme dans sa pratique, en cours de projet et entre les projets, c'est nécessaire si l'on désire inscrire sa pratique dans le temps sans risquer l'épuisement.

Ce n'est pas mon domaine d'expertise. Moi j'ai plutôt l'habitude de passer en force et de tracer sans jamais m'arrêter. Plus mes projets se complexifient, moins cette méthode fonctionne.

Dans cet épisode, je réfléchis à voix haute à ce que j'ai pu observer sur la gestion des pauses, et sur leurs bénéfices.

Raconter des histoires, c'est s'amuser.

Il est facile de l'oublier quand on essaye de faire "bien", de raconter des histoires qui "tiennent la route", cohérentes et intéressantes.

Quand vous vous perdez, quand vous avez l'impression de stagner, revenez à cette simplicité du jeu, à ce qui vous fait plaisir.

Allez plus loin avec le cadre de votre intrigue, aavec vos personnages. Appuyez-vous sur ce que vous nous avez proposé et installez-vous. Donnez de la place à vos idées.

Cet épisode vise à nous reconnecter à cette donnée toute simple : raconter des histoires, c'est jouer.

Redécouvrez la magie du jeu dans l'écriture. Plongez dans un univers où la pression s'efface au profit du plaisir créatif, révélant l'importance vitale de s'amuser tout en façonnant des mondes, des personnages et des intrigues.

Cet épisode est une invitation à redécouvrir la joie ludique de la narration, à surprendre et à être surpris par vos propres créations.

Rejoignez-nous pour explorer comment le jeu peut enrichir votre processus d'écriture, transformer votre approche narrative et injecter une étincelle de vie dans chaque page.

Que vous soyez un auteur en quête d'inspiration ou simplement curieux de l'art de raconter des histoires, cet épisode vous offrira des perspectives nouvelles et excitantes sur l'écriture.

Votre texte ne doit contenir aucun temps mort pour être prenant.

Mais pas de temps morts, ça ne veut pas dire que les personnages s'agitent ou qu'ils sont tout le temps en train de faire quelque chose.

Un temps mort, c'est un moment qui ne fait pas progresser l'intrigue -- et par "faire avancer l'intrigue", je n'entends pas qu'il faille enchaîner les péripéties.

Au contraire, les péripéties, si elles ne répondent pas à certains critères précis de progression de l'intensité, si elles s'éloignent du noyau dramatique de l'histoire, peuvent créer des temps morts au sens que je présente dans cet épisode.

L'attention que vous porterez à cet unique point peut, à elle seule, vous aider à raconter des histoires plus fortes et plus prenantes.

Dans les profondeurs de la construction narrative, chaque élément introduit joue un rôle crucial dans la progression de l'histoire. Découvrez comment la réutilisation stratégique des éléments, des personnages aux objets en passant par les idées, peut créer une cohérence captivante et un sentiment d'unité au sein de votre récit.

Les éléments clés introduits dans la première moitié de votre histoire sont réutilisés dans la seconde pour résoudre les nœuds de l'intrigue, enrichir la trame et surprendre agréablement vos lecteurs.

En apprenant à travailler avec les informations de votre histoire, vous vous libérez du besoin de les cacher à votre lecteur. Vous préparez le terrain pour des résolutions qui semblent à la fois inévitables et originales et évitent les solutions "magiques" qui pourraient aliéner votre audience.

Lorsque vous ajoutez la hiérarchisation des informations dans chaque scène, tous les détails de votre histoire, du plus insignifiant au plus marquant, deviennent des fils avec lesquels tisser un canevas narratif riche et satisfaisant pour vous et vos lecteurs.

Dans cet épisode je m'intéresse à l'importance de bâtir notre pratique créative sur nos expériences passées. J'examine la dynamique qui existe entre production constante de nouveautés (la réinvention) et l'importance de s'appuyer sur les leçons apprises de nos projets antérieurs. Plutôt que de chercher la disruption à tout prix, nous veillerons à ce que les phases en rupture dans notre parcours soient au service d'un projet artistique pensé à plus long terme.

Ce voyage à travers la créativité nous emmène dans les profondeurs de notre identité en tant qu'auteurs, à l'écoute de la manière dont nos désirs et nos aspirations évoluent au fil des projets.

Découvrez comment les écrivains peuvent honorer leurs œuvres précédentes tout en embrassant de nouveaux horizons, et comment les techniques narratives et les méthodologies peuvent être affinées pour refléter cette croissance.

Chaque projet contribue à façonner notre identité singulière d'auteur. D'où il découle l'importance de reconnaître et d'intégrer ces expériences dans nos prises de décisions et nos choix de projets, que ceux-ci s'inscrivent en rupture ou dans la continuité de notre parcours.

Une histoire, c'est une intrigue et des personnages, certes, mais c'est aussi un univers.

Même quand vous travaillez dans la littérature blanche ou contemporaine, vous façonnez un microcosme qui donne un sentiment d'unité mais aussi de la singularité à votre histoire.

Dans cet épisode, j'explore comment les décors, les personnages et les cultures s'entremêlent pour former cet ensemble qui nourrit la construction de l'histoire et l'imaginaire du lecteur.

D'un point de vue méthodologique, j'examine le passage progressif d'une construction à partir des archétypes vers des personnages et des décors nuancés. Cette transition s'appuie sur votre intention de l'histoire, sur le thème que vous voulez développer et le point de vue thématique que vous cherchez à incarner, à la fois littéralement et métaphoriquement.

Ce voyage à travers la construction d'univers narratifs révèle l'importance des détails dans le tissage d'un monde cohérent et captivant. Cet épisode offre de précieux outils aux auteurs de tout niveau.

Je parle beaucoup de dramaturgie et d'univers narratif mais il y a une autre dimension au travail d'écriture créative, et c'est la dimension sensible. Un mélange de sensorialité et d'influences, quelque chose de l'ordre de l'intangible qui se perçoit dans tous nos choix...

... de personnages

... de décors

... d'histoires

... de mots

... de rythme.

En travaillant régulièrement, comme des gammes, comme un travail structurel récurrent qui sous-tend la pratique d'écriture, vous encouragez la maturation des projets les plus proches de votre univers d'auteur.

*

Aujourd'hui, nous explorons un aspect fascinant et souvent sous-estimé de l'écriture créative : la sensibilité de l'auteur.

Ce voyage intime et révélateur nous plonge dans le monde des influences et inspirations qui façonnent la voix unique de chaque écrivain.

Je regarde comment les expériences vécues, les lectures et les mouvements artistiques se fondent dans une palette de couleurs narratives, peignant des histoires riches et immersives.

Découvrez l'importance des personnages récurrents et des archétypes dans la construction d'une narration captivante, et comment le rythme, le ton et le style individuels contribuent à la texture unique d'une œuvre littéraire.

Cet épisode est une célébration de l'art littéraire et un hommage à l'unicité de chaque auteur.

Que vous soyez un écrivain aspirant ou un amoureux des mots, rejoignez-nous dans cette exploration de ce qui rend chaque histoire, chaque livre, chaque pièce écrite, véritablement unique.

Souvent présenté uniquement comme un outil de vente, le pitch est une formidable aide à l'écriture.

Utilisé pendant le travail, il facilite la mise en évidence des forces et des faiblesses dramaturgiques d'un projet.

En suivant une structure simple que l'on appliquera systématiquement, on verra surgir les leviers d'action (autant dramatiques que narratifs) qui nous aideront à renforcer notre histoire.

Cet épisode explore plus précisément comment utiliser le pitch comme un outil de plus à notre disposition pour écrire des histoires plus solides.

Écrire un livre, c'est passer par quatre étapes :

1. Le désir du livre : c'est là que naissent les premières images et sensations liées à l'histoire. C'est là qu'on sent grandir notre envie de développer un personnage, un univers, et/ou une intrigue.

2. La structure : c'est le moment où l'on donne une forme à cette envie du livre. On se dit "ce sera un roman" ou "ce sera de la SF" ou alors on entre dans le détail du plan.

3. La rédaction : c'est le moment de rencontrer la matière première, de se lancer sur la page.

4. L'analyse : c'est le moment de regarder la matière et de décider quelles parts fonctionnent et quelles parts fonctionnent moins bien, et ce qu'on décide d'en faire.

Ces 4 étapes, on ne les traverse pas qu'une fois mais encore, et encore, et encore, mais à chaque passage on en sait un peu plus sur le projet, sur notre envie et nos besoins.

C'est pour ça que je parle de travail en spirale, parce que chaque boucle nous rapproche du centre : le livre fini et abouti.

Le flashback est un outil narratif délicat, à manipuler avec attention et précision.

On ne casse pas la continuité narrative sans avoir une excellente raison de le faire, et expliciter les enjeux, présenter les relations ou justifier les motivations d'un personnage est rarement une excellente raison de faire appel au flashback (la même chose pourrait être dite de la voix off ou du récit choral).

Alors pourquoi le trouve-t-on aussi souvent dans les premiers romans ?

Peut-être parce que les auteurs font mal la distinction entre leurs besoins de connaissances sur leur projet, et les besoins du lecteur pour son expérience.

Dans cet épisode je reviens sur cette nuance et je tente de donner quelques pistes méthodologiques qui vous aideront à mieux situer les flashbacks dans votre processus créatif.

Sur ce podcast, je parle beaucoup des compétences techniques de l'écriture créative elle-même : comment on imagine, structure, développe, une histoire et ses composantes.

Il y a tout un pan du travail de l'écrivain qui consiste à savoir gérer une entreprise créative : choix et gestion des projets et des priorités, arbitrage entre projets artistiques et projets commerciaux, recherche de compromis entre la nécessité de la pratique et l'impulsion créative, mesure des progrès et place donnée aux progrès intangibles, difficilement quantifiables.

Ce podcast "au fil de la pensée" réfléchit à ces questions et à toutes les compétences satellites nécessaires pour construire une pratique durable et épanouissante de l'écriture.

Dans cet épisode où ma pensée se construit à mesure que je parle, on aborde une question compliquée :

Quelle place donner à notre zone d'excellence par rapport à notre désir créatif de sans cesse nous réinventer ?

Comme il peut être difficile de savoir dans quoi nous sommes (vraiment) bons et ce qui nous distingue des autres auteurs, nous avons besoin d'outils et de regards extérieurs.

Les regards extérieurs, on ne les prend pas littéralement mais en débusquant le sous-texte, en écoutant ce qui revient, souvent sous des formes différentes, dans les avis et les retours de nos différents lecteurs.

Une réflexion en cours, donc, sur ce qui peut faire de nous des auteurs singuliers et remarquables.

Complexifier les récits sans les rendre plus compliqués, garder la simplicité d'une intrigue claire mais en lui entremêlant d'autres fils d'intrigue, cela se fait en distinguant entre les intrigues principales et les intrigues secondaires.

La distinction s'opère au niveau de l'intensité des enjeux et les raisons d'être des intrigues secondaires peuvent être multiples :

* Enrichir un personnage

* Donner de la place à certains aspects négligés de l'univers

* Développer certains aspects de la thématique

* Créer des objectifs secondaires pour les personnages

Ensuite se pose la question du tissage des différents niveaux d'intrigue.

Cet épisode propose plusieurs approches progressives pour enrichir vos histoires.

La motivation, même sur un projet d'écriture qui nous tient à cœur fluctue au rythme de notre progression.

Dès que nous perdons le fil, dès que nous avons du mal à sentir que nous avançons vers la réalisation du projet, nous pouvons perdre notre envie de nous y mettre.

C'est la même chose si nous doutons des étapes à franchir, ou si nous ne sentons plus la connexion intimes aux raisons qui nous ont poussé à raconter cette histoire au départ.

Ces raisons n'en sont d'ailleurs pas. Il s'agit plutôt de sensations, d'un élan émotionnel, d'une certaine manière dont le projet résonne avec notre sensibilité.

La motivation se nourrit de tous ces marqueurs.

Par ailleurs, la motivation n'est pas nécessaire pour écrire. Oui, il est plus facile de nous y mettre quand nous nous sentons "motivés" mais la motivation, comme l'inspiration naissent du fait d'écrire lui-même.

Pour créer un sentiment d'unité et de continuité dans nos histoires, nous veillons à réutiliser le maximum d'éléments plutôt que d'en introduire sans cesse de nouveaux dans le récit.

Parmi ces éléments, les objets tiennent une place importante. Rarement anodins, ils peuvent être chargés de sens et d'émotion et se transformer pour faire écho à l'évolution des personnages et des relations.

Dans cet épisode, je parle de la théorie et partage quelques étapes pour construire un la transformation d'un objet, notamment :

• Identifier les étapes auxquelles l'objet doit faire écho.
• Charger l'objet de sens lors de son introduction dans le récit.
• Faire évoluer l'apparence de l'objet en accord avec l'évolution des personnages.

Bonne écoute !

Il est peu de compétences connexes à l'écriture qui soient plus importantes que notre faculté à entrer en concentration et à y rester.

Qu'il s'agisse de basculer en un claquement de doigt dans le flow de l'écriture ou de garder le fil de l'histoire, la concentration nous apporte une aide précieuse tout au long du travail.

Dans cet épisode, j'aborde aussi la question de la segmentation du travail et pourquoi chercher à produire un texte abouti à chaque coup est le plus sûr moyen de s'épuiser.

L'axe dramatique, c'est l'intrigue.

C'est la ligne des actions.

C'est lui qui construit l'histoire et sa progression, mais comment ?

Quelle est sa réelle fonction ?

Comment s'assure-t-on qu'il progresse bien ?

Cet épisode livre des clés méthodologiques pour répondre à ces questions.

Ah ! Les dialogues !

Comment les réussir ? Comment éviter qu'ils soient trop superficiels, trop anecdotiques ?

L'une des premières choses à interroger, c'est l'intention des personnages et leur caractérisation de dialoguiste.

Comment utilisent-ils généralement le langage pour arriver à leurs fins ?

Ce sont ces questions que l'on retrouve dans la notion de stratégies de dialogues.

Comment rendre une histoire à la fois intéressante et simple ?

Comment éviter le risque de faire "culcul" sans tomber dans l'hyper complexification ?

Une histoire, c'est un fil d'action clair, que l'on déroule jusqu'à son paroxysme. La crainte qui empêche beaucoup d'auteurs de rester sur ce fil, c'est la peur de raconter une histoire trop prévisible, de dérouler un récit trop superficiel.

Cet épisode explore comment trouver ce point de rencontre entre simplicité et densité.

Le premier jet n'est pas le lieu des textes aboutis, des jolies phrases et des tournures habiles.

C'est une écriture de découverte et d'exploration, où l'on se parle à soi-même et où l'on permet à l'histoire de se dévoiler petit à petit, de nous raconter ses intentions afin d'éclairer nos décisions.

Cet épisode est un encouragement à laisser libre cours à votre écriture créative, dans tout son désordre et toute sa curiosité. Plus tard viendra le temps de nettoyer et de lisser le texte.

Comment commencer une histoire ?

Vaste question.

Dans cet épisode, après avoir rappelé qu'on n'y répond pas de la même manière selon qu'on parle de commencer l'écriture ou du premier chapitre que l'on présente au lecteur, j'aborde quelques réflexions sur les techniques qui fonctionnent et celles qui fonctionnent moins pour démarrer une histoire.

Quels enjeux le premier chapitre vise-t-il à construire ? Quelles promesses doit-il tenir ?

La bêtalecture est devenue une étape incontournable de la production d'un texte.

Située entre la première version "lisible" et l'envoi aux éditeurs, la "bêta" permet de lever les derniers lièvres, de confirmer les directions données à l'intrigue et à la narration.

Elle pose ses propres difficultés, en particulier aux auteurs les moins expérimentés, parce qu'elle offre une première rencontre entre le texte et la subjectivité d'un lecteur, mais une subjectivité biaisée par le cadre dans lequel elle s'inscrit.

Il y a beaucoup à dire sur la bêta-lecture. Cet épisode, premier d'une série à venir, propose des bases de réflexion méthodologique sur le sujet.

Si les conseils d'écriture abondent sur la question de la structure de l'intrigue et toutes ses déclinaisons, ils sont encore trop rares à traiter de la structure narrative.

Il y a pourtant beaucoup à en dire.

Plutôt une affaire de deuxième ou troisième écriture (une fois que l'intrigue est solidement plantée), la structure narrative s'occupe de la mise en scène des histoires.

Quels détails raconter ? Dans quel ordre ? Pour construire quel sous-texte et quelle ambiance ?

Ces questions serviront de base à la construction de la narration. Elles ne sont qu'un point de départ, sur lequel je m'attarde dans cet épisode.

Aujourd'hui, on aborde un concept de la théorie narrative du jeu vidéo : la narration émergente.

C'est ce phénomène où des joueurs projettent des histoires sur des éléments de l'univers des jeux qui n'ont pas été pensés comme des briques narratives mais plutôt comme des éléments constitutifs d'un monde au sein duquel le joueur navigue librement.

Je ne rentre pas en détails dans toutes les formes de narration émergente mais je propose dans cet épisode deux manières d'appliquer ce concept à l'écriture littéraire.

La première, tournée vers la génération créative d'idées pour l'auteur. La seconde, orientée "lecteur", qui suggère de mettre en place ces mêmes "briques" de narration avec l'objectif délibéré de laisser le lecteur se les approprier.

Pour éviter qu'une histoire reste anecdotique, nous devons lui donner un fond universel.

L'outil qui nous permet de le faire, c'est l'axe thématique. Si l'intrigue, c'est ce que raconte l'histoire et la narration comment je le raconte, le thème c'est ce dont l'histoire parle.

Rarement le sujet de l'histoire et son thème se rejoignent. Si je fais une histoire d'amour (le sujet), elle ne parle quasiment jamais d'amour (le thème).

Savoir construire un thème peut être ce qui fait la différence entre un divertissement oublié aussitôt qu'il a été vu et une histoire qui accompagne un lecteur tout au long de sa vie.

Dans cet épisode, j'explique comment on peut aborder la construction du thème dans une histoire, en partant des bases : quelle tension thématique je traite et quel point de vue mon histoire adopte sur cette tension ?

Non, il ne suffit pas de choisir entre la première et la troisième personne du singulier pour résoudre la question du point de vue narratif.

Le point de vue, c'est un personnage qui ressent. Sa caractérisation (tant globale que locale) oriente sa perception des situations.

Choisir un personnage point de vue c'est décider à travers quels filtres regarder les scènes et les raconter. Ce choix impacte l'atmosphère de l'histoire mais aussi sa charge émotionnelle, les description et certaines actions des personnages.

Cela ne change pas l'intrigue, et le ppdv (personnage point de vue) n'est pas toujours le protagoniste.

Cet épisode se concentre sur ces questions.

Définir des intentions précises pour votre projet de livre vous aide à établir une matrice de vos priorités.

En consacrant 80% de votre énergie à l'aspect de votre livre qui vous paraît le plus essentiel, et 20% aux trois aspects les plus importants, vous concentrez vos efforts sur les points forts de l'histoire et évitez la dispersion.

Tout le reste, tout ce qui n'entre pas dans ces quatre priorités, est laissé pour plus tard.

En appliquant systématiquement la matrice des priorités sur vos livres d'écriture, non seulement, vous évitez les dispersions et la procrastination mais en plus vous ouvrez la porte à de nouvelles idées plus alignées avec ce que vous voulez faire de votre projet.

Pour les rêveurs que sont souvent les auteurs, gérer des projets peut sembler fastidieux, inutile, décourageant et autres épithètes du même accabit.

Pourtant, quelques techniques simples permettent d'éviter le sentiment d'être submergé par un projet dont la complexité et l'ambition peuvent nous impressionner et nous pousser à la procrastination.

Dans cette série d'épisodes, je reviens sur quelques techniques simples pour organiser votre travail d'écriture et vous aider à passer du rêve du livre à venir à son inscription dans le réel, session après session.

Dans cet épisode nous voyons comment donner deux notes sur 3 à chacune des tâches et sous-tâches de notre projet pour mieux choisir quoi faire à quel moment de notre pratique.

Le Nano c'est fini.

Un nouveau premier jet fini en 30 jours. Et une intense déception. Un sentiment de ... "mais pourquoi ?" qui mérite qu'on s'y attarde.

La fatigue joue, bien sûr, mais aussi la nature exploratoire du premier jet.

Le premier jet n'est jamais une version aboutie. C'est la version que l'on se raconte à soi-même pour découvrir ce que l'on raconte.

Comment aborder le retravail du texte ? Que regarde-t-on dans le premier jet pour décider si l'on veut s'engager dans sa réécriture ? Autant de questions auxquelles réfléchit l'épisode d'aujourd'hui.

En démarrant un projet, l'auteur est animé par un sujet, une envie, souvent vague.

Traduire cette envie en termes dramaturgiques permet de transformer un sujet en histoire. Si j'écris sur les société secrètes (un sujet vague), comment je peux en faire un objectif chargé de cohérence et d'enjeu pour mon protagoniste dès l'acte 1 ?

Ensuite, pendant l'écriture, l'histoire se transforme. Le personnage apprend des choses sur le monde qui l'entoure, sur lui-même, sur ses ressources et sur son objectif.

Il n'est pas rare que l'objectif annoncé en début d'acte 2 soit atteint ou définitivement inaccessible dès le midpoint. Pourtant, l'histoire n'est pas finie. C'est là que le conflit se verticalise, qu'il descend vers quelque chose qui résonne plus fort dans les tripes du personnage.

Si le premier objectif est souvent une projection mentale, quelque chose de conceptuel, celui qui se précise au midpoint -- dans la continuité thématique du premier, est davantage incarné.

S'il est possible d'anticiper sur cette mutation du moteur d'action du protagoniste, la plupart du temps, elle survient d'elle-même, naturellement, dans l'écriture, ce qui peut dérouter l'écriture.

Prendre conscience de ces évolutions permet de les intégrer à notre méthodologie sous la forme de checkpoints réguliers qui permettent de réévaluer l'histoire, son sens et sa direction.

Pour construire une "carrière" (disons, un parcours) d'auteur, nous devons constamment faire des choix.

Pour éclairer ces choix, il n'est pas rare que nous comparions les résultats de notre pratique à celle des autres, ceux qui réussissent "mieux" que nous.

Mais nous oublions d'interroger leur contexte, leurs aspirations, les biais qui ont informé leurs propres décisions.

Nous oublions surtout de ramener notre conscience sur nos priorités. Pourquoi écrivons-nous en ce moment ? Pourquoi avons-nous choisi ce projet-ci plutôt que celui-là ? Sur quels aspects de notre pratique cherchons-nous à gagner en assurance, en compétence et en confiance ?

Cet épisode est une invitation à reprendre de la perspective non seulement sur l'évolution de la frontière de nos projets (cf épisode 57) mais aussi sur celle de nos aspirations professionnelles.

Dès que vous avez une pratique d'écriture régulière, la masse de textes que vous produisez devient envahissante.

Vous en avez de partout.

Entre les embryons d'idées, les v1 en cours d'écriture, les v1 à réécrire, les versions définitives, les textes envoyés, ceux qui sont en attentes de réponses, les textes publiés qu'il faut promouvoir et tout ce qu'il y a au milieu, vous pouvez avoir l'impression d'être submergé dans un océan de mots.

Construire un système d'organisation devient vite nécessaire.

Ce système, vous pouvez le baser sur des posts-its et des dos d'enveloppes ou mettre en place des interrelations complexes entre plusieurs bases de données dans un outil comme Notion.

Avant de choisir l'outil. Avant de mettre en place le moindre système, vous devez commencer par les bases : identifier ce que vous attendez de votre système.

À quoi doit-il vous servir ?

Comment vous aidera-t-il à construire une pratique créative pérenne ?

Le bon système est celui qui vous convient. Il vous ressemble. Il vous aide à atteindre les résultats qui sont importants pour vous et il évolue avec vous.

Un excellent système d'organisation va plus loin et devient même un rouage indispensable de votre processus créatif.

J'aborde toutes ces notions dans cet épisode qui sera complété dans quelques semaines par des tuto sur Notion.

Il arrive dans notre pratique que nos émotions nous empêchent de prendre des décisions rationnelles et durables.

Enfermés dans nos frictions, nous perdons la vision à long-terme et réagissons à chaud, de manière épidermique.

Notre vision se réduit. Notre cerveau passe en mode "survie" et préservation d'énergie.

Nous nous dispersons sans savoir pourquoi. Ces symptômes (irritabilité, dispersion, décisions prises dans l'urgence) peuvent nous encourager à regarder ce qui lutte en nous.

En nommant la friction, nous pouvons commencer à la résoudre.

C'est de ça que parle cet épisode. De ce moment où l'on émerge de l'autre côté du blocage.

Pour en savoir plus sur le mastermind, où vous pourrez partager les étapes de votre propre parcours d'auteur et sortir de votre caisse de résonance : https://anaelverdier.com/mastermind/

Il arrive que de nouvelles idées séduisantes nous détournent de la simplicité du travail. Après tout, le travail régulier et répétitif de l'écriture peut nous paraître laborieux et inviter une forme de lassitude, une envie de stimulation.

D'autres fois, c'est justement le confort dans lequel la régularité du projet nous installe qui ouvre la porte à de nouvelles idées créatives -- il nous faut un certain confort pour être durablement créatif.

Dans les deux cas, si nous nous laissons séduire sans prendre de recul, nous pouvons mettre à mal l'équilibre délicat que nous avions réussi à créer entre notre vie et nos projets.

Après un hiatus de 6 mois, le podcast revient en force avec une réflexion sur les élans qui entraînent nos activités créatives, la nécessité de faire des pauses et la négociation constante à laquelle nos circonstances en perpétuelle évolution nous force.

Négocier avec notre énergie, notre disponibilité créative, mais aussi entre nos projets et nos envies.

C'est reparti pour 48 nouveaux épisodes pour finir cette 2e moitié de première saison de podcast.